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2024년 봄의 컬러트렌드 : 주목해야 할 5가지 색상, Five colour trends for spring 2024

끌랭의블루 — Fri, 11 Aug 2023 16:48:34 +0900

2024년 봄의 컬러트렌드 : 주목할 5가지 색상을 알아봅니다.

출처 : www.wgsn.com

기억에 남을 멋진 여름을 계획하는 것은 결코 이르지 않습니다! 전 세계가 팬데믹 이후의 삶을 살아가고 있는 가운데, 2024년 봄 시즌은 새로운 분위기와 사고방식으로 패션의 지형을 형성할 것입니다. 2024 봄/여름 시즌에는 Fondant Pink, Cyber Lime, Radiant Red, Elemental Blue, Nutshell이 디자인과 패션계를 지배할 주요 컬러가 될 것으로 WGSN과 Coloro는 예측하고 있습니다. 이러한 색조는 격변하는 변화의 물결을 헤쳐나가고 진화하는 욕구를 표현하는 과정에서 균형과 안정에 대한 인간의 집단적 갈망을 구현합니다.

WGSN의 컬러 책임자인 제니 클라크는 다음과 같이 말합니다. "우리의 다섯 가지 핵심 색상은 소비자들이 매일 겪는 급격한 변화를 대변합니다. 이 어려운 시기에 안정에 대한 지속적인 열망과 서로를 보살피고 돌보려는 욕구를 반영합니다. 이러한 색상은 정신적, 육체적으로 우리를 감동시켜 에너지 레벨을 높이거나 다시 안정시켜주며, 우리가 살고 있는 진화하고 빠르게 변화하는 기술 중심의 세상과 연결됩니다."

Coloro의 콘텐츠 책임자인 조앤 토마스도 다음과 같이 덧붙입니다. "희망적이고 긍정적인 사고방식을 키우는 것은 소비자들에게 강력한 대처 메커니즘이 되었습니다. 배려, 연결, 커뮤니티는 S/S 24의 다섯 가지 핵심 컬러를 뒷받침합니다. 퐁당 핑크와 래디언트 레드의 자극적이고 달콤한 특성으로 사랑스러운 문화를 조성하고, 엘리멘탈 블루와 넛쉘의 안정적이고 차분한 특성, 마지막으로 사이버 라임의 합성 현실주의는 끊임없이 확장되는 디지털 생활과 우리를 연결해줍니다. 이러한 감각적인 색조는 컬러의 미래를 향한 창을 열어주고 IRL과 URL 세계 사이를 원활하게 연결해줍니다."

이러한 색조는 변화하는 세상에서 자신의 입지를 찾고자 하는 패션을 선도하는 소비자들이 고려할 만한 색조입니다. 보그 디자이너가 엄선한 몇 가지 룩도 구경해보고, 2024년의 디자인에서 스토리텔링을 탐색하는 데 도움이 되는 색조를 살펴보세요.

SYBER LIME

밝고 산성이며 빛나는 노란색은 소비자가 추구하는 낙관적이고 유쾌한 에너지를 나타내며, 디지털 환경과 실제 환경 모두에서 시선을 사로잡을 수 있습니다. 환상과 몽환적인 느낌을 주는 이 색상은 액티브웨어, 수영복, 리조트, 아우터웨어 등 다양한 카테고리와 시장에서 사용할 수 있으며 격자무늬, 스트라이프, 꽃무늬, 추상적인 패턴 등 시즌 프린트와도 잘 어울립니다.

사이버 라임을 디자인에 활용하고 싶으신가요? 갈색, 청록색, 차콜색과 같은 어두운 중간 톤으로 경쾌한 분위기를 연출하세요. 다른 네온 계열의 색조로 경쾌한 에너지를 더해 활기찬 분위기를 연출하세요. 중성 및 탈색된 파스텔과 함께 사용하면 다용도로 웰빙을 촉진하는 방향을 연출할 수 있습니다.

출처 : 보그 런웨이

출처 : www.wgsn.com

FONDANT PINK

FONDANT PINK는 편안하고 부드럽고 차분한 매력을 지닌 발색 파스텔입니다. FONDANT PINK의 부드러움은 일상의 긴장과 부담을 덜어주고 완화하는 데 도움이 되는 웰빙과 웰빙을 추구하는 소비자들의 트렌드를 반영합니다. 이 색조는 하이브리드 라이프스타일로 인해 소비자들이 가상 환경과 실제 환경 모두에서 자신의 선택이 미치는 영향을 고려하게 되면서 실제 환경과 가상 환경 간에 잘 어울립니다.

FONDANT PINK와 어둡고 진한 다크컬러를 함께 사용하면 낮부터 밤까지 다양한 스타일링에 어울리는 강렬하고 다재다능한 룩을 연출할 수 있습니다. FONDANT PINK와 같은 파스텔 계열을 믹스하여 편안하고 안정감 있는 디자인 방향에 맞게 연출하세요.

출처 : 보그 런웨이

출처 : www.wgsn.com

RADIANT RED

에너지가 살아 넘치는 RADIANT RED의 높은 채도는 정서적, 정신적 몰입과 에너지에 대한 열망을 나타냅니다. 레드는 힘, 새로운 동기 부여, 장난기, 활기찬 기운을 연상시키며 대담한 표현을 하고자 하는 소비자를 위한 색상입니다.

RADIANT RED와 내추럴한 느낌 및 탈색된 바랜 색조의 균형을 맞춰 더 일상적이면서도 시대를 초월하여 유행을 타지 않는 매력을 더해 보세요. 듀오 팔레트의 래디언트 레드를 다른 강렬한 피그먼트와 함께 사용하면 시선을 사로잡는 대담한 룩을 연출할 수 있습니다.

출처 : 보그 런웨이

출처 : www.wgsn.com

ELEMENTAL BLUE

블루는 2023년 가을의 개성 넘치는 Galactic Cobalt에서 2024년 봄에는 소비가 덜한 중성적인 Elemental Blue로 변화합니다. 이 색조는 소비자들이 내면을 성찰하고자 하는 절제, 균형, 방해받지 않는 에너지에 대한 열망을 반영합니다. 2023년 봄 팬톤 패션 컬러 트렌드 보고서에서도 비슷한 중간 톤의 파란색인 팬톤 블루 페레니얼과 서머 송이 강조되었습니다.

엘리멘탈 블루와 단색의 중성 및 더스티 파스텔을 함께 사용하면 눈에 거슬리지 않으면서도 겸손한 매력을 발산할 수 있습니다. 파스텔팝으로 포인트를 주면 더욱 매력적인 매력을 발산할 수 있습니다.

출처 : 보그 런웨이

출처 : www.wgsn.com

NUTSHELL

레드가 가미된 갈색은 전통적으로 핵심적인 내추럴 컬러에 개성을 부여합니다. 브라운의 따뜻한 특성은 연결감, 안정감, 진정성, 품질, 장인정신을 불러 일으킵니다. 또한 장수, 영원함, 연결에 대한 열망을 나타냅니다.

레드, 그린, 블루와 같은 원색 중간 톤과 듀오 컬러 팔레트의 Nutshell을 함께 사용하면 세련된 느낌을 연출할 수 있습니다. 넛셸을 단색 팔레트와 함께 사용하면 오래 지속되고 유행을 타지 않는 제품을 찾는 고객에게 어필할 수 있습니다.

출처 : 보그 런웨이

출처 : www.wgsn.com

2024 시즌 주목할 컬러들이 전체적으로 사이키델릭, 사이버펄, 메탈이 가미되어야 좀더 세련되어 보이고 아름다운 조화가 이루어지는 컬러들이라는 느낌이 강하다. 지금 시대가 AI 인공지능이 활약하는 시대라서 더 그런건가 싶기도 하다.

디자이너로서 색상을 매번 조합하다보면 정말정말 흔한 컬러들이 지겨울때가 많다. 그렇지만 어떤 컬러와 조화를 이루느냐에 따라 그 결과와 의미는 하늘과 땅차이다.

항상 색상조합때문에 고민과 생각이 많은 나는 그 해의 트렌드라고 나온 컬러들을 보면서 느끼는 감정은 벌써 이 컬러조합은 흔해졌구나.... 빨리 다른 색조합을 찾아보자!!! 뭐 이런 정도 ㅋㅋㅋㅋㅋㅋㅋㅋ

암튼 밤색에 메탈을 입혀지면 정말 멋진 컬러가 탄생한다!!!

https://www.wgsn.com/en/wgsn/press/press-releases/coloro-and-wgsn-launch-window-future-color

이건희컬렉션 한국 근현대미술특별전 <사계> ⑤ 봄, 여름, 가을, 겨울, 봄 Seasons Lee Kun-hee Collections Modern and Contemporary Korean Art

끌랭의블루 — Mon, 26 Jun 2023 07:25:24 +0900

봄, 여름, 가을, 겨울, 봄

김환기 Kim Whanki <무제>, 1966, 캔버스에 유채, 61×46㎝, 광주시립미술관 소장

김환기 Kim Whanki <무제>, 1960년대, 종이에 펜, 35.5×28㎝, 광주시립미술관 소장

김환기 Kim Whanki <무제>, 1960년대, 종이에 펜, 28×35.5㎝, 광주시립미술관 소장

김환기 Kim Whanki <Untitled (15-Vll-69 #90)>, 1969, 캔버스에 유채, 143x107.5㎝, 서울시립미술관소장, ©(재)환기재단·환기미술관

김환기 Kim Whanki <무제>, 1970, 종이에 유채, 58×31.1㎝, 광주시립미술관 소장

권진규 Kwon Jinkyu <마투>, 1965년경, 테라코타, 43×66×26㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

테라코타란 ‘구운 흙’을 뜻하는 이탈리아어, 구웠을 때 단단해지는 점토의 성질을 이용해서 만든 조각·건축장식등을 말한다. 테라코타는 이미 선사시대부터 애용되어 온 조각 기법으로 고대 무덤, 벽 장식, 부장품 등에 활용되었다. 권진규 작가는 테라코타가 지닌 성질의 영원성에 주목했다. 권진규는 자신의 명함에 ‘테라코타 권진규’라고 자신을 소개했다고 한다. 예술가로서 자신의 정체성, 자긍심, 소재에 대한 남다른 애정을 확인할 수 있다.

권진규 작가를 대표하는 또다른 기법 '건칠'은 불교에서 불상을 제작할 때 자주 쓰이는 기법. 매끄러운 표면을 가지고 있지만, 권진규 작가는 거친 삼베의 자국을 그대로 남겨서 인물의 고독·정신성을 대담하게 자신만의 독창적인 기법으로 승화시켜 표현하기도 했다.

권진규 Kwon Jinkyu <이순아>, 1968, 테라코타, 48×34×22㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션, ©권진규기념사업회 • 이정훈

“모델의 내적 세계가 투영되려면 인간적으로 모르는 외부 모델을 쓸 수 없으며 ‘모델+작가 = 작품’ 이라는 등식이 성립한다”

모델의 내적세계에 대한 견해를 강조한 말이다. 1960년대에 들어 권진규 작가는 여성두상과 흉상을 다수 제작했고, 항상 제자나, 주변 인물을 모델로 삼았다고 한다. 1967년 권진규 작가는 미술평론가 유준상의 소개로 서라벌예술대학교에 재학 중이던 학생 이순아를 알게 되어 작품 모델을 의뢰했다. ‘이순아’ 작품은 테라코타가 지닌 영원성과 함께 얼굴 부위를 제외한 나머지 부분의 과감한 묘사 생략이 대상 본질에 집중하게 만든다. 곧고 길게 뻗은 목, 살짝다문 입, 정면을 응시하는 은은하면서도 강렬한 눈빛에서 진정 프로다운 모델 모습과 작가 정신이 느껴졌다.

권진규 Kwon Jinkyu <자소상>, 1967, 테라코타, 35×23×20㎝, 국립현대미술관 소장

어깨를 깎아낸 간결한 삼각형 몸체에 눈은 편안하게 먼 곳을 향한 듯 바라보고 있다, 신뢰있어 보이는 두툼한 입매와 함께 얼굴비율보다 조금 커보이는 귀 등 조각 인물상의 전형적인 모습을 모범적으로 보여준다.

권진규 조각가 1922-1973, 함경남도 함흥 출생, 그는 음악을 감상하던 중 '소리를 양감으로 표현할 수 없을까 하는 생각이 들어 조각가가 되기로 결심했다고 한다. 그 후 6년 동안 이쾌대, 1913-1965와 이인성, 1912-1965이 운영하는 사설 미술교습소인 성북회화연구소에서 수학하고 1949년 무사시노미술대학교교화의 조각과에 입학했다. 일본에서 8년간의 유학시절 동안 시미즈 다카시 1857-1931로부터 미술을 배웠다. 그는 부르델과 다카시의 영향을 받아 태생을 바탕으로 인체를 정확하게 구현하고자 했다. 불상에 대한 관심이 많았는데, 이는 동양 고전에 대한 탐구에서 시작된 것으로 작품에서 "영원성의 미'를 추구하였다. 그는 건칠 기법과 테라코타를 사용하여 조각에서 동양고전의 원형을 표현하고자 했다.

최중태 Choi JongTae <서있는 사람>, 1980, 청동, 126×33×25㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

최종태 작가의 이 청동 조각상은 경기도미술관 큰 통창의 자연빛이 스며드는 위치 선정은 넘나 찰쌀떡센스였다. '서 있는 사람'은 오른손을 얼굴에 대고 골똘히 생각에 잠긴 듯 서 있는 사람을 조각했으며, 작가 특유의 단순성과 정면성·정지성·간결성의 특징을 살펴볼 수 있었다. 청동 조각의 표정은 구체적이지 않아도 그 자리에 서있는 자체만으로도 절대적 존재감을 뿜어낸다.

장욱진 작가 제자라고 알려져 있다. 장욱진 작가가 서울대 교수시절 술 사주던 제자였다고 ㅎㅎㅎ "나는 심플하다"는 말을 술 취하면 허구헌날 했다고 한다. 장욱진 작가 자서전을 최종태 작가가 쓰셨다고 한다.

최종태는 추상과 구상을 넘나들며 절제된 표현방식으로 주로 인간 형상을 조각해 왔다. 한국 조각계에 추상이 주류를 이루던 1960~1970년대 최종태는 자신만의 독자적인 조형어법을 구축해 구상과 추상의 경계를 허무는 실험적 작품을 보여줬다. 작업 초기부터 그는 형식과 형태 실험을 통해 간결한 선을 가진 정면성의 입체 조형, 구상과 추상의 경계를 초월한 형태 등의 작업으로 끊임없이 인간 삶의 본질과 영성에 대해 탐구해 왔다.

하인두 Ha Indoo <무제>, 1986, 캔버스에 유채, 162.0×130.3㎝, 경기도미술관 소장

하인두 Ha Indoo <만다라>, 1977, 캔버스에 유채, 162.3×135㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

한국전쟁 때 청년시절을 보낸 전후 1세대 예술가인 하인두 작가는 박서보 작가와 함께 1957년 '현대미술가협회'를 창립하고, 1962년 '악튀엘' 창립과 전시를 이끈 한국 앵포르멜 운동(미술가의 즉흥적 행위와 격정적 표현을 중시한 전후 유럽의 추상미술)의 주역이다. 대표작 '만다라'와 '혼불' 시리즈는 한국 현대화단에서 생명에의 경의와 불교적 해탈의 의미를 추상화한 작품으로 평가받고 있다. 작업 초기의 '만다라'는 온통 붉은색의 원 안에 불안정하고 불균형한 원과 세모의 도형이 배치되는 형태를 기본으로 한다. 불교의 만다라 조성을 자아의 형성, 또는 치유에 활용했던 정신과 의사 김종해와의 교류 속에서 탄생한 '만다라' 연작은 우주적 질서의 근원인 생명에 대한 풀이이자 심리지도의 성격을 가진다.

이번 이건희컬렉션 1977년 '만다라' 작품은 비교적 초기 작품이다. 강렬한 원과 붉고 푸른 네모들의 해탈적 향연이다. 이렇듯 추상 성격이 잘 드러난 수작이며, 후기작인 경기도미술관 소장품 '무제'(1986)는 빛으로 가득 찬 스테인드글라스를 연상시키는 색면 구성을 보여주는 작품으로 말년의 대표작인 '혼불' 연작을 예감하게 한다.

봄 여름 가을 겨울 그리고 다시 봄으로 순환된다. 흐르다가 반복되다 우리 삶에 스며들은 계절속에서 내 자신이 흐르고, 반복됨을 느끼기도 한다. 계절이 바뀌고, 새로운 모습이 나타나고, 익숙한 모습을 또 보여주듯, 나아가기 위해서도 되돌아보게도 된다. 이 흐름들이 자신만의 세계를 창조하는 좋은 영감의 흐름으로 이어지길 소망한다.

김영주 Kim Youngjoo <인간들의 계절>, 1975, 캔버스에 유채, 162×130㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

김경 Kim Kyung <조우>, 1960, 캔버스에 유채, 79×57.5㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

이 작품은 유화인데 색채며, 마띠에르며, 거칠게 올려진게 너무나도 한국적이다. 우리나라 국보같은, 정말 신비하고 뛰어난 보물 작품들은 어김없이 이건희컬렉션 리스트에 있었다 ㅎㅎㅎ 컬렉터의 재력을 과시하는건지... 그동안 숨겨놓고 머니세탁과 재산증식에만 몰두하더니, 저 세상 가고 나서야 상속세 무서워 내어 놓았다는 세간의 따가운 눈총도 있긴 하지만 어찌되었던 우리나라의 멋지고 훌륭한 무형문화재 같은 미술 작가님들이 재조명되고, 재평가 되고, 소중한 작품들이 대중적 시선을 받는 양지에 풀려나와서 무료전시로 관람하게 된 것에 감개무량, 감동적이긴 했다.

그런데 뜬금 이 시점에서 여담으로 '장 자크 상뻬' 데셍모음집의 이 그림이 생각났어요! ㅎㅎㅎㅎ 난 왜 하필 이 페이지에다가 북마크 포스트잇까지 붙여두었었나 싶다 ㅋㅋㅋㅋㅋㅋ 그냥 촌철살인이라서겠지....

당신이 이토록 그림을 좋아하시는지 미처 몰랐습니다!

(원화를 각색하자면 : 왼쪽부터 이중섭, 박수근, 김환기, 나혜석, 천경자, 장욱진, 김경, 권진규, 유영국, 오지호, 김기창 이인성 등등)

박생광 Park Saengkwang <투우도>, 1984, 종이에 수묵채색, 89×241.5㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

내고(乃古) 박생광 작가 1904~1985 경남 진주 출생, ‘그대로’ 아호를 쓰며 평생 야인처럼 화단의 아웃사이더로 떠돌았던 화가이다. 일본이나 국내나 주류 관변 아카데미즘과는 담을 쌓고 자유주의자, 순수주의자로 작가적 철학을 지키는 데에는 변함이 없었던 화가로 평가 된다.

진주보통학교를 졸업하고 진주농업학교를 다니던 중 1920년에 경도로 건너가 다치카와미술학원 수업. 1923년 일본경도시립회화전문학교 입학. ‘근대경도파’ 기수인 다케우치·무라카미 등에게 고전과 근대 기법의 결합을 시도하는 신일본화를 배웠다. 일본에서 1945년 귀국할 때까지 명랑미술전·신미술인협회전·일본미술원전 등을 중심으로 활약하였다. 광복이 되자 고향인 진주로 내려가 작품 활동을 하면서 백양회창립전에 참가하였다. 1963년 경상남도문화상을 수상. 1967년 홍익대학교와 경희대학교에 출강했고, 1974년에 다시 일본으로 갔다. 동경거주로 일본미술원전의 회원이 되었고, 3차례의 개인전을 개최하였다. 1977년 귀국과 동시에 진화랑에서 개인전을 열어 크게 명성을 얻었다. 1981년 백상기념관 개인전. 1982년 인도 성지순례, 뉴델리인도미술협회에 초대전. 1985년 파리 그랑팔레 르 살롱전에 특별초대. 1985년 대한민국 은관문화훈장 추서, 1986년 호암갤러리에서 1주기 회고전 개최했다.

초기 일본화적 경향에서 탈피하여 우리나라의 샤머니즘·불교 설화·민화·역사 소재 등을 주제로 삼아 폭넓은 정신세계를 전통적인 색채로 표현하였다. 미술사적 위치는 우리나라의 채색화 부분에 새로운 가능성과 활로를 제시하였고, 한국적 회화를 현대적 조형성으로 효과적으로 표현하였다. 또한 우리나라의 역사적 주체성을 회화로서 표현하고자 하였다는 점에서 큰 의의를 가진다. 외색 논란도 있지만 자신의 민화라든지 불화 이런 양식들을 연구해서 독자적인 색채를 가지게 되었다. 이 <투우도>는 의외로 다양한 변화와 시도를 했는데 말기 후두암으로 타계하시기 전 말년 작품이라고 한다. 해외여행에서 투우하는 광경을 보고 에너지 충돌같은 기운을 역동적 화면으로 담아낸 수묵 작품이다.

다들 왜색이라고 비난하던 채색화의 세계를 한 평생 정진하면서 우리의 미감에서 거의 사라졌던 색채에 대한 무의식적 감각을 회복시켰다는 점에서 박생광 작가는 독보적인 위치를 차지하는 한국화가 중 한 사람으로 평가될 수 있을 것이다.

곽인식 Quac Insik <무제> 1980, 캔버스, 종이에 수채, 166×100㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

곽인식 Quac Insik <작품 86-KR>, 1986, 캔버스, 종이에 수묵, 225×136㎝, 리움미술관 소장

곽인식 Quac Insik <작품>, 1980년대, 종이에 수채, 54.2×72㎝, 경기도미술관 소장

곽인식 작가 1919 - 1988, 경남 대구 출생, 1937년 일본 도쿄 일본미술학교 수학. 1941년 귀국 대구에서 첫 개인전, 1949년경 다시 일본으로 돌아가서 정착. 1937년 독립미술협회전, 1949년 이과회전 등 출품, 여러 차례 개인전을 개최했다. 그는 1954년 요미우리신문 앙데팡당전에서 최우수상 수상, 1956년 아사히신문 주최 신인상 수상. 1965년 일본국제미술전에 초대전. 한국미술계와 교류하며 1968년 도쿄국립근대미술관 '한국현대회화전', 1970년 국립현대미술관 '한국 현대작가전', 1971년 파리 '한국 현대회화전', 1977년 도쿄 센트럴미술관 '한국 현대미술의 단면전'. 1969년 상파울루 비엔날레 한국인 화가로 참여.

작품활동 초기에는 표현주의적인 작품으로 주목을 받았다. 1960년대부터 평면적인 회화 작업에서 벗어나 돌, 유리, 나무, 금속판, 점토 등을 화면에 붙이며 작가의 행위와 작품의 물질성이 강조되는 작품을 제작했다. 원으로 자른 종이로 화면을 구성하는 작품을 제작하기도 했고 이 시기부터 점, 원 등 기본적인 형태에 관심을 갖고 작품을 통해 탐구하는 양상을 보였다. 물질을 재료로 하는 작품 외에도 먹을 중심으로 사용하는 작업도 병행했다. 판화 기법으로 불규칙하게 찍힌 먹이 원을 그리도록 제작했다. 일본의 전통 종이인 화지에다 투명한 색점을 가득 메운 위의 작품들이 이에 해당된다. 평면의 종이는 여러 번 겹쳐 그려지고 종이에 스며든 형형색색 점으로 인해 공간감과 두께를 확보한 표면이 된다.

곽인식은 다양한 재료의 활용과 작업 방식을 시도했다는 점에서 실험정신이 뛰어난 작가로 평가받는다. 또한 그는 그의 물질성에 대한 탐구가 1960년대 중반 이후로 본격화된 서양의 아르테 포베라나 일본의 모노파 미술운동보다 먼저 시작되었다는 점에서 시대를 앞선 전위적인 미술작가로 평가받는다고 한다.

이렇게나 다양한 미술적 기법과 소재 변화를 끊임없이 추구하고 시도했던 우리나라 근현대 미술 작가님들에게 무한한 존경과 박수를 보낸다. 위의 <작품 86-KR> 수묵 판화에 불규칙하게 찍힌 먹물이 원을 그리며, 텍스쳐를 무한하게 만들어내도 지루함이 없는 작품을 보고 있자니 블랙이 지금까지도, 아니 앞으로도 모든 창작 회화요소로도, 패션으로도, 디자인적으로도 영원한 스테디셀러 고급진 아이템으로 인류에게 사랑받는 이유를 이제서야 알았다.

이건희컬렉션 한국 근현대미술특별전 <사계> ④ 향수의 계절 Seasons Lee Kun-hee Collections Modern and Contemporary Korean Art

끌랭의블루 — Mon, 26 Jun 2023 07:10:48 +0900

향수의 계절

이중섭 Lee Jungseop <오줌싸개와 닭과 개구리>, 1950년대 전반, 종이에 유채, 28×40㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

이중섭 Lee Jungseop <판잣집 화실>, 1954, 종이에 펜·수채물감·크레용, 27×20.3㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

이중섭의 작품은 워낙 유명하고, 대중에게 많이 알려져 있다. 이 작품은 이중섭 작가 특유의 위트, 아트 자체도 되게 파격적으로 그리고, 인생이 진짜 비극적인데 이런 해학과 위트를 잃지 않았다는 게 너무나 신기하고 아름다운 것 같다.
서울 신수동에 정말 판잣집에서 혼자 힘들게 살 때 가족들이 얼마나 보고 싶고 그리웠을까. 1954년 전쟁 끝나고 얼마 안 됐을 때 배고프고, 자기가 그렸던 작품들을 배경으로 그려놓고 그 어려움 속에서도 이 천진난만함과 해학이 넘쳐나는 정감어린 이 작은 작품은 펜화이긴 한데도 굉장히 높은 가치와 역사적 의미를 가지고 있는거 같다.

이중섭 Lee Jungseop <은지화>, 1950, 은지에 새김, 8.9×14㎝, 광주시립미술관 소장

이중섭 Lee Jungseop <엽서화>, 1941, 종이에 색연필, 17×12.1㎝, 광주시립미술관 소장

이중섭 작가의 담배갑 은종이에 그린 드로잉은 정말 개구진 매력이 철철 넘친다. 이번 전시에선 그림크기와 비슷한 사각형을 들여다 보면서 감상할 수 있는 컨셉으로 센스있는 큐레이팅을 해놓았다. 작품의 미학을 잘 살릴 거 같다. 네모틀을 들여다보는 감상 형식이다 보니 집중해서 보는 맛은 있었다. 어린아이의 눈높이, 동심으로 허리를 숙여서 보라는 깊은 뜻이 있다는 ㅎㅎㅎ

이중섭 작가의 초창기 아이들 묘사 드로잉은 실제로 관찰 묘사라기보다는 정말 동심의 기호같은 표정이다. 드로잉 선들을 따라가다 보면 어느덧 내 마음도 동심속에 같이 뛰어놀고 있다. 이중섭 작가는 일본에서 아카데미교육을 받았음에도 이렇게 틀을 깨고 자기만의 독창적 화풍을 시도한다는 거, 정말 멋지고 존경스러웠다.

아이들이나 휠체어를 탄 분들이 높이에 닿지 못할 수도 있어서 확대해가며 감상할 수 있는 앱개발로 작품을 넣어놓았다고 한다. 삼성 이건희컬렉션에 웬 아이패드? 아이러니 하지만 ㅋㅋㅋ 뭐... 전시기획자 맘인걸요. 어쩔갤탭~~~~ ㅎ

권옥연 Kwan Okyen <날으는 새>, 1997, 캔버스에 유채, 73×88㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

권옥연 작가 1923- 함경남도 함흥출생, 1941년 경복고등학교 졸업, 1944년 일본 도쿄미술학교를 졸업. 1960년 프랑스 파리아카데미 졸업. 1961년 대한민국미술전람회(국전) 초대작가 심사위원, 1963년 파리 그룹전, 1965년 도쿄 개인전. 1965년 상파울루비엔날레에 참가. 1978년 금곡박물관 관장 1983년 대한민국 예술원 회원(서양화). 서울대학교, 이화여자대학교 교편, 1999년 한국문화예술진흥원 비상임이사 임명. 1950년대 파리 유학을 통해 앵포르멜 등 유럽 미술의 최신 경향을 직접 체험하고 개성적인 추상양식을 구축하였다. 유학 전에는 고갱의 영향을 많이 받아 양식화되고 평면적인 이미지로 풍경과 인물작업을 하였으나, 파리에서 체류하는 동안 살롱도톤, 레알리테 누벨 등 당시 파리의 주요 전시회에 참가하는 등 활발한 활동을 하면서 차츰 문학성 강한 기존의 사실주의 양식을 버리고 추상실험에 열중하였다. 특히 갑골문자 연구를 통해 기호를 이미지화하는 작업을 시도하였으며, 앵포르멜의 영향을 받은 비정형의 형태와 두터운 마티에르, 청회색으로 억제된 색채 등을 특징으로 하는 회화의 골격을 형성하였다. 1960년대에는 민속공예품과 신라토기에 심취하여 토기나 청동기가 주는 질박한 느낌을 한국의 토속적인 이미지에 담았다.

암회색, 녹회색·청회색을 주로 사용했다고 알려진다. 문학적 은유와 음악적 선율이 숨쉬는 그의 작품을 두고 초현실주의 주창자 앙드레 브르통은 ‘동양적 쉬르레알리슴'이라고 평했다. 원색을 거부하면서 회색으로 대표되는 중간색조의 미묘한 변화를 통해 완성된 둥근 달속을 날으는 새의 모습은 한국인이면 누구나 고개를 끄떡이게 되는 한국적 정서의 원형적 상징성을 지니고 있다. 얼마나 많은 사람들의 기원과 소망과 한탄이 저 달 속에 들어 있는지, 날으는 새의 날갯짓에 들어 있을런지... 아마도 권옥연 화백은 그것을 자신의 작품속에 고스란히 담아내고 싶어 저리도 크게 달의 한가운데에 시조새처럼 크게 그려 넣었나 보다.

박수근 Park Sookeun <초가집>, 1960, 종이에 유채, 22×30.5㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

박수근 Park Sookeun <농촌풍경>, 1960년대, 캔버스에 유채, 22×34.5㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

박수근 Park Sookeun <절구질하는 여인>, 1957, 캔버스에 유채, 130×97㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션, ©박수근연구소

미석 박수근 1914-1965, 강원도 양구군 출생. 강원도 양구보통학교를 졸업, 강원도 인제군에서 독학으로 미술 공부를 하였다. 1932년 제11회 조선미술전람회에 입선함으로써 화단에 등장. 해방 후 월남하여 1952년 제2회 국전에서 특선, 미술협회전람회에서 입상하였다.

1958년 이후 미국 월드하우스화랑, 조선일보사초대전, 마닐라국제전에 출품하는 등 국내외 미술전에 여러 차례 참가하였다. 1959년에 제8회 국전 추천 작가가 되었고, 제11회 국전에서는 심사위원이 되었다. 그는 회백색을 주로 하여 단조로우면서도 한국적 주제를 소박한 서민적 감각으로 충실하게 다루었고, 한국인 화가 중 가장 독창적이면서도 평범한 한국의 서민상을 주제로 삼았다는 평가를 받았다.

박수근 작가의 화풍은 독특한 화강암표면 질감 표현방식으로 독자적인 조형성을 이루었다. 주한미공군사령부(USAFK)가 주선한 ‘박수근특별초대전’이 열렸는데, 외국 애호가들이 상당수의 박수근 작품을 소장했다고 전해진다. 그중 몇 점이 홍콩 인터내셔널호텔의 인터하우스에 선을 보여 ‘동양적인 유화’라는 매력적인 평을 얻기도 했다. 이 시기가 박수근의 예술 전성기이기도 하다. 40대 후반으로 작품 활동이 왕성했을 뿐 아니라 주제의 깊이나 표현 기법도 완숙에 이른 시기였다. 정확한 연대가 없이 ‘60년대’로 표기한 작품들은 대부분 이 시기에 그린 것들로, 소재가 정감이 넘치고 화강암 같은 질감의 기법도 최상의 경지를 보이고 있다. 완숙한 작품을 선보임에 따라 박수근의 화단 내 위상과 예술적 평가도 높아지고 있었지만, 생활은 조금도 나아질 기미를 보이지 않았다고 한다.

박수근 작가가 밀레의 만종을 좋아했던 것처럼 정말 숭고하게 일상의 순간을 더 잘 볼 수 있도록 부스벽면을 하얀 톤으로 기획되었다고 한다. <절구질하는 여인>은 박수근 그림 중에서는 굉장히 드물게 큰 작품이다. 한국 화강암 재료를 가장 한국적인 정서로 작품안에 마티에르로 녹여냈는데, 인광성 같은 것들이 점점 옅어진다고 한다. 그렇지만 이 작품은 보존 상태가 굉장히 좋은 편에 속한다고 한다.

숨은그림찾기 같이 옅은 색조들의 향연안에서도 여인의 등에 업은 포대기속 아가의 옷은 부농부농하다... 회백색의 화강암과 같은 질감만으로도 토속적인 한국적 미감을 표현하고 서민정서를 듬뿍 담아낸 가장 한국적인 화가라고 평가받는다. ‘국민화가’, ‘민족화가’, ‘민중화가’, ‘서민화가’라는 수식어처럼 한국인이 가장 사랑하는 화가이지만 그 가치는 외국인이 먼저 알아보고 나서야 인정을 받았단 사실이 참으로 씁쓸하다.

장욱진 Chang Ucchin <나무>, 1989, 캔버스에 유채, 40×31.5㎝, 서울시립미술관 소장

장욱진 Chang Ucchin <세 그루나무>, 1987, 캔버스에 유채, 27.5×45㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

장욱진 Chang Ucchin <까치>, 1987, 캔버스에 유채, 41×31.9㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션, ©장욱진미술문화재단

장욱진 Chang Ucchin <나무>, 1986, 캔버스에 유채, 32.8×20.7㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

장욱진 Chang Ucchin <무제(Untitled)>, 1982, 캔버스에 유채, 32×24㎝, 양주시립장욱진미술관 소장

장욱진 작가 1917-1990, 충남 연기군 출생, 현대미술사에서 한국적 추상화를 확립한 거장 중 한 명으로 높게 평가 받는 화가. 일상적 이미지를 정감 있는 형태와 독특한 색감으로 화폭에 그려냈다. 우리네 생활 주변 즉 마을·가족·가로수·건물·자전거·어부 등 페어리 이미지를 프리미티브한 생략기법을 쓰는 작가이다.

6세 되던 해, 서울 내수동 고모 옆집으로 이사후 초등학교 입학. 초등2학년 도화책(미술교과서)에 그려진 까치를 보고 세부묘사를 생략한 채 온통 까맣게 그렸다가 최하위점수 병점을 받기도 했다고. 3학년때는 유화 까치그림이 ‘전일본소학생미전’에 출품되어 일등상을 받게 되는등 남다른 재능을 보였다. 경성제2고등보통학교(경복중고등학교) 미술반 진학하여 그림에 열중하였는데, 이때 동경예대 출신 미술교사의 수업을 통해 당시 유행하던 입체파와 피카소의 미술세계를 접할 수 있었다. 그러나 일본인 역사교사에 항의한 일로 퇴학처분을 받아 공진형 작가 화실에서 그림을 계속한다.

전염병 성홍열을 앓게 되어 만공선사가 거처하던 충남 예산 수덕사에서 6개월간 요양하게 되는데 수덕사를 찾은 나혜석 작가와 만나게 되었고, 칭찬을 받게 된다. 장욱진 작가의 그림은 고전적 아카데미즘식으로 묘사에만 충실하기보다 작가주관이 강조되었던 점이 나혜석 작가의 공감을 크게 얻었던 것으로 보인다. 이때 일로 장욱진이 화업에 대한 신념을 확고히 하는 계기가 되었다고 전해진다. 1936년 20세때 양정고등보통학교 3학년 편입, 4학년때 조선일보사 주최 ‘제2회 전조선학생미술전람회’에서 <공기놀이>로 최고상, 상금 100원을 받게되자 집안반대에 부딪히지 않고 그림을 그릴 수 있게 되었다고 전해진다. 1939년 일본 제국미술학교(무사시노미술대학) 서양화과 입학, 유학당시 일본상황은 1937년의 중ㆍ일전쟁을 시작으로 태평양전쟁 기간이었다. 일본 유학시절 고향 소재와 주제를 많이 그렸는데 주위로부터 그림에 일본풍이 안 보인다고 비판을 들었고 그림을 멋대로 그린다는 지적도 받았다고 한다. 이것은 장욱진 작가가 이미 유학시절부터 나름대로 독자적인 조형세계를 만들어가고 있음을 보여주는 대목이다.

1975년 덕소에서 서울 명륜동으로 돌아온다. 후기에 들어 더욱 초연해지며 화면에서도 탈속의 이미지가 강조된다. 번잡한 서울을 떠나 마지막으로 거처를 정한 곳이 용인군 구성면 마북리 오래된 집이었다. 70세, 1986년 봄의 일이다. 작고하신 1990년까지 용인에서 지낸 5년은 평생 걸쳐 제작된 720여 점 중, 3분의1에 해당되는 220여 점이 그려진 가장 왕성한 창작의 시기였다고 한다. 산, 까치, 집, 나무 등의 소재들은 평생 친구가 되었으며, 조형적 배치도 모든 한계를 넘어 자유자재로 구성되었다. 1950~1960년대 기하학적 구성과 동화적 심상이 다시 등장하는 등 복고적 모습을 보이기도 했으며, 후기에는 환상적이고 관념적인 경향이 강해졌다.

<나무>에 나타난 공간은 도저히 현실적인 풍경이라고는 생각되지 않는 기하학적인 단순한 구성으로 중앙의 둥근 나무 주변에 배치되어 있는 소재들은 마치 하나의 무늬로서 사용되고 있을 뿐이다. 경험에서 뽑아낸 소재들이 반복되어 사용됨으로써 작품에 따라 하나의 무늬와 같은 역할을 하기도 하며, 관념적 풍경화를 구성하기도 한다. 이러한 관념성은 후기 작품세계의 중요한 경향을 이루고 있다. 평생 돈 버는 일에 관심이 없었던 점과 그림을 그려도 팔기보단 간절히 원하는 사람에게 대가 없이 주는 성품이나, 나이를 먹어가기보다는 뱉어간다는 장욱진 작가의 삶의 철학을 유추해 볼때 이미 이상 세계에 살면서 그림으로 이상향을 표출하는 신선으로 평가받는다.

이번 전시에 유일하게 가족시리즈가 없어서 양주시립장욱진미술관 소장 작품 한 점 빌려왔는데, 이 작품이 유일하게 장욱진 화백이 술을 먹은 이후에 그렸다고 알려진다. 어려운 시대적 상황과 힘든 시절 속에서도 아름다운 풍류적 감성의 끈을 놓지 않고 정, 가족, 동물, 동심, 까치, 나무처럼 한국적 미학의 소재들을 자주 등장시키는 멋진 거장의 원화를 직접 마주하게 되어 너무나 좋았다.

<세그루 나무>는 해와 나무들이 약간씩 합창하듯 기울어져 어디선가 바람결이 느껴지고, <까치>의 색감은 정말... 세련된 명품처럼 트랜디하고, 지적이고 고급진 색감을 뿜뿜 뿜어낸다. 그리고 <나무> 작품에선 가끔씩 빼빼 마른 댕댕이가 출현한다. 난 귀엽다고만 생각했는데... 옛어르신 말씀하시길 당시 강아지들이 빼빼 말랐었다고ㅠㅠ. 어렵고 못살던 옛시절, 잘못먹어 빼빼한 강아지, 이거 진짜 극사실주의라고. 옛날 집들도 자그마했고, 상대적으로 나무는 엄청 커보였으려나? 그러고 보니 장욱진 작가 그림의 속살을 들춰보면 뭔가 한편으론 슬프기도 하고, 표면적으론 해학과 즐거움이 깃들어져 있는거 같다. 역시 한국적 추상의 거장이었다.

윤중식 Yoon Jungsik <작품>, 1970, 캔버스에 유채, 72.5×99.8㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

윤중식 작가 1913-2012 평안남도 평양 출생, 숭실중학교를 거쳐 일본 제국미술학교 서양화과를 졸업, 일본 국화회전과 동경유학생으로 구성된 재동경미술협회의 전시회(동미전)에 참여하였다. 해방후 제2회 국전에서 특선, 국전 추천작가, 초대작가, 심사위원 역임하였으며 홍익대학교 교수, 대한민국미술대전 운영위원장 역임.

학습기 이후 일본 서양화단의 영향으로 야수파 경향이 강하여 단순한 형태에 강렬한 색채, 굵은 윤곽선 등이 특징이었으나 해방 후부터는 분단상황으로 인한 실향민으로서의 향수를 표현하는 경향이 두드러지며 조형적이고, 디자인적인 요소로 순화과정을 보였다. 이 작품은 컬러자체도 현대적 느낌으로 참신하고, 조형적 구조도 마치 라울 뒤피의 레이아웃이 연상되는 소재를 배치의 작품이다. 화분뒤에 희미한 석고 형상처럼 보이는데 아마도 작가의 화실을 표현한걸까? 분할된 선을 넘어탄 식물의 잎이 평범함이 싫어 소심한 반항을 하는 듯 보여 살며시 미소가 나왔다. 과일이 있는 베란다 너머엔 돗단배가 보이고... 수줍은 듯 이국적인 여인들이 스트라이프문양과 나뭇잎문양 치마를 입고 서 있는 참으로 흔히 볼 수 있는 안정적인 구도처럼 보이지만 당시를 생각해보면 완전 혁신적인 그림이었으리라. 1970년대에 어쩌면 색을 저렇게 세련되고 멋지게 쓰셨을까...

전뢰진 Jeon Loijin <한가한 어느날>, 1975, 대리석, 44×52×18㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

전뢰진 조각가 1929년 서울태생, 1949년 서울대학교 미술학부 도안과 입학. 그러나 다음해 6․25전쟁 발발로 학업이 중단되었고, 1953년 고교 은사 홍일표의 권유로 조각을 시작하며 윤효중 교수를 만나 홍익대 조소과에 편입. 1956년 마포중학교 미술교사, 1975년부터 홍익대학교 미술대학 조각과 교수 역임.

전뢰진 작가는 주로 모자・가족・여인・동물 등을 주제로 작업했다. 그의 작품은 처음 보는 사람일지라도 보는 순간 소박함과 따뜻함, 사랑과 동심을 느낄 수 있다. ‌전뢰진‌ 작품의 훌륭함은 특별한 것에 있지 않음을, 꼭 성취한 세속적 성공스토리에 있지 않음을, 전뢰진 작가를 특별하게 만든 건 누구나 할 수 있는 일들을 평생 지속했음에 있음을, 무엇보다 삶과 작품이 일치한 것이라고들 말한다. 작품을 보면 예술가의 삶과 인품을 알 수 있다. 가족에 대한 사랑, 제자에 대한 사랑, 남녀의 사랑, 자식에 대한 사랑, 동물과 자연에 대한 사랑. 전뢰진 작가의 인생은 온통 사랑으로 가득 차 있다.

이건희컬렉션 한국 근현대미술특별전 <사계> ③ 또 하나의 계절 Seasons Lee Kun-hee Collections Modern and Contemporary Korean Art

끌랭의블루 — Sun, 25 Jun 2023 21:42:34 +0900

또 하나의 계절

천경자 chn kyungja <누가 울어 2> 1989, 종이에 채색, 79x99㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션, ©서울특별시

옆으로 고개를 돌려 공허한 시선으로 저멀리 바라보고 있는 한 여인의 여유로운 포즈, 긴 목, 감정 한스푼 첨가한듯, 아닌 듯, 단순하면서도 깨끗한 노을빛 배경은 인물을 돋보이게 하고, 평화롭게 잠자고 있는 강아지와 저멀리 상아를 드러내는 이국적 코끼리풍경... 채도 짙은 이국적 카페트 등 강렬한 인상으로 여운이 오래 남을 수 밖에 없는 독창적인 수작이다.

천경자 작가 1924-2015 전라도 고흥출생. 1941년 동경미술전문학교 유학, 1946년 22세때 전남여고 미술교사. 1949년 서울 동화백화점(신세계) 화랑에서 첫 개인전, 1977년 자전적이미지를 담은 그림 '내 슬픈 전설의 22페이지' 1955년 ‘정’으로 대한미협전 대통령상 수상, 1954년 홍익대학교 미술대학 동양화과 교수. 1969년 남태평양 여러 섬과 뉴욕, 파리, 이탈리아, 스페인 등지로 스케치 여행을 감행. 1974년 인도네시아, 아프리카, 프랑스 등 9개국 스케치 여행을 하면서 구상했던 것을 작품화. 아프리카 초원에서 뛰노는 야생 동물과 소녀 때부터 즐겨 읽은 문학 작품이나 즐겨 본 외국 영화 등, 서구 문학의 고향인 현장을 답사하여 스케치 하기도 하고, 외국의 풍물이나 흑인들의 원초적인 생명감을 즐겨 그렸다. 1991년 미주 스케치여행 후 백인에게 착취 당하고 억압받는 남미 흑인들의 인상과 삶의 모습을 작품화했다.

천경자 작가는 한국화의 전통적인 경향과 일본느낌 경향에서 탈피하는 근대적실험을 통해 한국화를 회화라는 의식에까지 끌어 올려 놓았다고 평가된다. 일제말기부터 광복 이후 오늘에 이르기가지 50여 년 동안, 우리 나라 현대미술과 더불어 활동해 온 산 증인이며 대표적인 작가이다.

‘노란색이 난무하는 뜰을 보면 뭇 인간과의 감정이 단절되어 가는 현대의 비정감과 각박함을 느낀다’

이렇게 말하면서도 노란 색채를 자유자재로 구사하여 그린 작품들은 오히려 잔잔한 즐거움과 풍요로운 정감을 불러 일으킨다. 천경자 화백은 흔한 호 하나 짓지 않고 작품에 낙관도 찍지 않는 소탈함과 자기과시나 권위의식 없이 누구에게나 속마음을 털어 놓는 우직하리만큼 소박하고 솔직한 성품을 지녔다고 한다. 원숙한 데생력과 예민한 색채감각이 이루어내는 밀도 있고 정교한 표현력, 색채 표현은 욕심스럽거나 호들갑스럽지 않고 단순하면서도 명쾌하고, 황홀하면서도 감미로운 환상적 무드를 자아낸다. 50년대까지 한국적 향토색을 즐겨 썼다고 하고, 60년대에 남태평양과 아프리카 여행 이후부터는 이국적정서가 깃든 풍물을 가미, 자신만의 자전적 주제인 꽃과 여인등을 모티브로 개성있는 한국화 영역을 구축했다.

여류화가라는 말 자체에 이미 작가영역을 축소하는 편견을 심어주는 말이므로 쓰지말아야 한다. '또 하나의 계절' 섹션에서는 남성중심적이고 가부장적인 한국 근현대미술사 속에서 여성 작가들이 자기만의 예술 세계를 구축한다는 것이 얼마나 힘들고 고되고 비극적인 삶이었을까... 그래서 이번 전시에서 집중조명하는 섹션을 따로 기획했다 한다.

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천경자 chn kyungja <청춘의 문> 1968, 종이에 수묵담채, 145x89㎝, 국립현대미술관 소장

천경자 작가는 꽃과 공허한 눈동자의 여인이 떠오르고, 강렬한 색채에 데코화풍이라 한 번 직접 보면 뇌리에 강력하게 각인시키는 신비한 마력까지 있다. 그런데 이 작품속 주인공은 할리우드 여배우인 스페인출신 `그레타 가르보라고 한다. 늙은 모습을 보여주기 싫어 한창 아름다울 때 은퇴해서 전설로 남은 여배우다.

천경자 작가 나이 40대쯤의 작품이다. 어릴 때 꿈이 연극배우였다고 전해진다. 그래서인지 여배우 마릴린 먼로의 머리를 화려한 꽃으로 장식한 작품도 있다. 가보지 못한 길에 대한 아쉬움을 그림으로나마 달래본건 아닐까 싶기도 하다.

또한 농담을 달리하면서 세련되게 먹을 쓰고 특유의 강한 컬러 채색은 딱 알맞게 절제를 했다. 이 작품, 무척이나 고급지다. 보라빛 면 분할로 얼굴과 몸체를 분리해서 그린것도 작품 전체구도에서 특유의 비범함과 독창적 세련미를 물씬 풍긴다. 이 작품을 원화로 본게 정말 행운이랄까... 정말 좋았다. 이 작품처럼 한번 시도해 보리라...

천경자 Chn KyungJa <송아지> 1980, 종이에 채색(수묵담채), 40x34㎝, 부산시립미술관 소장

나혜석 Rha Hyeseok <자화상> 1928 추정, 캔버스에 유채, 89.0x76.0㎝, 수원시립미술관 소장

나혜석 작가의 ‘자화상’은 표정에서 그늘지고 어둡고 무거웠다. 눈빛과 표정은 퍽이나 우울하며 좌절감이 엿보인다. 이 작품은 세계여행 도중 파리에 머물때인 1928년 그린 것으로 알려져 있다. 그때 남편 김우영의 초상도 함께 그렸다고 알려져있다. ‘김우영 초상’을 두고 미완성작이라는 이야기도 있다. 나혜석 작가는 파리에서 왜 이렇게 우울하고 힘들어 보이는 모습의 자화상을 그렸던 것일까? 이 시기는 그가 이혼의 파탄으로 접어들기 전이다. 파탄은커녕 새로운 세상에 대한 도전과 의욕이 충만하던 시절이었다고 한다. 또한 ‘자화상’ 모습이 당시 나혜석으로 보이지 않는다. 한국인 얼굴이 아니고 무척이나 이국적인 얼굴이다. 이를 두고 모딜리아니풍이라 그렇다는 해석도 있지만 추론일 뿐이고, 정확한 나혜석 작가의 기록이나 증언이 있는건 아니다. 자화상의 얼굴이 중성적이라는 평가도 전해진다. 중성적이어서 더 슬퍼 보이는 걸까. 중성이라고 하면 피해자인 여성도, 가해자인 남성도 아니지. 성 구분이나 차별을 뛰어넘겠다는 나혜석의 의도가 반영된 것이라는 추정이 가능하다. 나혜석은 이 그림을 통해 남녀 구분 없는 세상을 꿈꾸었던 것일까요?

나혜석 Rha Hyeseok <김우영 초상> 1928 추정, 캔버스에 유채, 80.0x71.0㎝, 수원시립미술관 소장

박래현 Park Rehyun <건어> 1950, 종이에 수묵채색, 68.0x55.0㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

박래현 Park Rehyun <작품11> 1965, 종이에 수묵채색, 168.3x134.5㎝, 리움미술관소장

또 하나의 계절 섹션 부스 벽면의 짙은 브라운 컬러가 너무 맘에 들었다. 걸린 작품들을 한층 돋보이는 적당한 색감도 좋았다. 좋은건 또 보고, 크게 보고, 자꾸 봐야지 !!!

박래현 Park Rehyun <시간의 회상> 1970-1973, 종이에 에칭, 49.0x39.0㎝, 국립현대미술관 소장

박래현 Park Rehyun <기원B> 1972, 동판화, 50.5x37.0㎝, 국립현대미술관 소장

박래현 Park Rehyun <작품> 1970년 초반, 태피스트리·털실·하수구망, 135.7x118.2㎝, 국립현대미술관

우향 박래현 1920~1976, 평안남도 진남포출생, 6세때 가족과 전북 군산으로 이주, 전주여고보와 경성여자고등사범학교 졸업. 1939년 일본 도쿄 여자미술전문학교에서 일본화를 공부했고, 재학 중 그린 ‘단장’으로 조선미전 총독상 수상. 조선미전시상식 참석차 귀국한 박래현 작가는 운보 김기창 화백을 만나 결혼하게 된다. 어린시절 장티푸스로 청력을 잃은 김기창화백은 당시 이미 스타 작가였다. 1947년 결혼은 도쿄유학생 부잣집 딸과 장애 극복한 청년화가의 만남으로 화제를 모았다. 작업을 계속한다는 조건으로 결혼했지만 출산과 육아, 가사로 인해 작가 생활은 쉽지 않았다. 1948년 '결혼과 생활' 수필에서 “기저귀 빨기, 밥 짓기, 청소하기, 아침 식사가 끝나면 이것저것 치우고...아기보기, 본업인 그림은 언제 그리나” 라고 푸념했다. 운보 김기창 화백의 그늘에 많이 가려졌다가 요즘에서야 박래현 작가는 동양화 재료와 기법을 넘어서 세계 화단과 교류할 수 있는 풍부한 작품세계로 뚜렷한 성취를 이룬 작가로 재조명, 재평가 되고 있다.

무지한 가부장적 원시시대가 ‘예술가 박래현’을 ‘운보 김기창(1913~2001) 부인’ 이라는 타이틀안에만 가두어 뒀었다. 그동안 박래현 작가는 ‘운보의 아내’라는 껍질이 너무도 단단해 독립적인 작가로 들여다볼 시대적 여건도, 시도조차 허락되지 않았었다. 이제서라도 당당한 한 작가로서 조명할 수 있는 시대에 진입한걸 엄청 다행으로 여겨야 하나 싶다. 타계 40여 년이 지난 지금에서야 뛰어난 작가로 바라볼 수 있는 대중적 미적 안목과 젠더감수성이 마련되고 성숙되었다는 점이 많이 안타깝다.

위의 <작품11>은 붉은 다홍색과 황색으로 표현한 생명력과 한국화 특유의 먹물번짐 기법이 오묘하게 결합된 대표작으로 꼽힌다. 상파울루 비엔날레 참여를 계기로 중남미를 여행한 뒤 박래현 작가는 1974년까지 미국 뉴욕에 체류하며 판화와 태피스트리로 영역을 확장했다. 1970년대 초반의 ‘리콜렉션’, ‘가면’, ‘고완’ 등 완성도가 뛰어난 작품들이 이 시기에 전부 나왔다. 그러나 귀국 후 동양화와 판화기술을 접목한 신작을 하겠다던 박래현 작가는 간암발병으로 1976년 안타깝게 타계했다.

동서양을 넘나드는 다양한 실험적 회화 시도, 굉장히 세련된 색감, 미감을 지니고 있었던 박래현 작가는 한국화를 베이스로 추상미술을 점차 확대해 나가던 시기의 그림들을 보고 있자니 운보 김기창 화백보다 훨씬 더 작품성이 뛰어나 보인다. 정말 제대로 다시 평가받아야 한다고 생각한다. 마지막 수공예적인 콜라주 방식의 마지막 테피스트리 작품도 정말 인상깊었다.

한국적 추상화와 태피스트리, 판화를 넘나들며 작업했다는 사실에 그가 4자녀의 다정한 엄마였으며, 한참 열정을 불태울 50대 아까운 나이에 암으로 세상을 떠날 때까지 치열하게 작업했었다는 사실에도 또한번 새삼 놀랐다. 작가 박래현의 위대한 재발견이다.

사진을 빼먹고 못찍어 구글링 펌.

김정숙 <비상> 1985, 동, 73x69x30.4㎝, 국립현대미술관소장

김정숙(1917~1994)은 한국 조각사에서 중요한 위치에 있는 조각가 중 한명으로, 여러가지 면에서 '최초'라는 칭호를 가지고 있다. 우선 이전까지 남자들뿐이였던 한국조각사에서 최초의 여성 조각가였다는 점, 또 이전까지의 한국의 조각가들이 일본으로 유학을 갔던 것과는 다르게 최초로 미국으로 유학을 간 조각가라는 점, 그리고 한국에서 최초로 철 용접을 시도한 조각가라는 점1 등이다. 그녀는 귀국한 이후엔 윤효중(1917~1967)의 뒤를 이어 홍익대학교의 조소과 교수를 지냈으며, 말년까지 후학의 지도에 힘쓴 교육자이기도 했다. 사후에는 호암갤러리와 모란미술관, 국립현대미술관에서 회고전이 열렸으며, 특히 2001년 국립현대미술관에서 열린 '자라나는 날개:김정숙'전에서는 유족들이 많은 수의 작품들을 기증해 줌으로써 현재 상당수의 작품들은 국립현대미술관에 소장되어 있다.

1990년 제작된 이 작품은 작가를 대표하는 연작인 '비상'연작들 중 하나이다. '비상'연작은 작가의 말년에 주로 제작되었으며 작가사 생전 가장 몰두한 연작이다. 작가는 생전에 '모든 것을 훌훌 털어버리고 날아오르고 싶다'는 언급을 한 바 있는데, 그러한 작가의 내면의식이 그대로 '비상'연작들로 구현된 것이라고 할 수 있다. 이 작품은 새 날개의 형상을 심플하고 추상적인 이미지로 조형하였으며, 그 모습은 마치 새가 하늘 위로 날아오르기 위해 막 땅을 박차오를 날갯짓을 할려는 모습을 연상시키며 강한 역동석을 보이고 있다. 이러한 역동성은 세부적인 묘사는 과감히 생략한 채 오직 날개의 형상만을 단순하게 표현하였기에 더욱 강조된다. 여기에 전체적으로 유기적이고 유연한 곡선적인 형태는 이 작품에 인공적이고 기계적인 물체가 아니라 살아있는 생명체를 보는 듯한 생동감과 자연스러움을 부여하고 있다.

그 외 이 작품은 대리석으로 조각된 것인데, 매끄러운 표면 처리와 우윳빛 표면에 섞인 색채 등 대리석이라는 매체의 특성이 잘 드러나고 있다. 이렇게 재료의 특성을 잘 살려내는 것은 김정숙 작품의 특징이다.

또 하나의 계절 섹션 부스의 관람 풍경들

방혜자 Bang Haija <우주의 춤> 2010, 캔버스 부직포에 천연채색, 190x275㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

방혜자 Bang Haija <새벽> 1978, 종이에 유채, 한지꼴라쥬, 80x80㎝, 국립현대미술관 소장

방혜자 Bang Haija <지심> 1961, 캔버스에 유채, 100x81㎝, 국립현대미술관 소장

수임 방혜자 1937-2022, 빛과 색을 탐구하며 한국과 프랑스에서 활동한 작가. 그는 유년 시절 개울가의 맑은 정기와 빛에서 영감을 얻은 후 예술을 통해 빛의 세계에 천착해 나갔다. 서울대학교 미술대학에서 장욱진 1917-1990 에게 사사하고 1961년 프랑스로 건너가 1963년 파리 국립미술학교에서 유화, 프레스코, 판화, 스테인드글라스 등 다양한 기법을 습득했다. 이후, 작품에 서양의 기법과 한지, 닥종이, 황토 등 한국적인 재료를 절충하였으며, 2002년 부직포를 재료 삼아 접거나 덧칠하는 등 재료의 우연적 효과를 활용해 화면에 우주적 심상과 빛의 효과를 창출해냈다. 지심 1960은 경주 석굴암에 대한 작가의 인상을 화폭에 옮긴 작품이다. '대지의 한가운데'라는 뜻의 작품으로, 추상미술을 연구하던 태경 김병기 1916-2022와 유영국 1916-2002의 '현대미술연구소'에서 작업한 것으로 알려져 있다.

1960년대부터 추상미술의 영향을 받아 여성작가로서 추상 형상을 통한 초월적 세계를 섬세하게 구현해 왔다. 주로 종이 뒤에 여러 번 칠하는 '배채법'을 사용해 색이 번지듯 빛의 에너지를 형상화했다. '우주의 춤' 2010은 부직포에 천연안료를 얹어 그린 추상적 형상을 통해 우주적이고 근원적 세계에 대한 고찰을 담고 있다.

얼마나 빛을 잘 그리고 표현했으면 방해자 작가의 유작은 프랑스 샤르트르 대성당에 걸려 있단다. 샤르트르 대성당은 프랑스가 유네스코 세계 문화유산 제1호로 등록한 세계적인 종교성지다. 한 해 100만 명이 찾는 곳이다. 2018년 3월 샤르트르 대성당 종교 참사회의실에 새로 설치되는 4개의 스테인드 글라스 창엔 방혜자 화백의 작품이 선정됐다. 대성당의 창과 같은 청색 바탕의 4개 창에 각각 빛, 생명, 사랑, 평화의 메시지를 담았다고 한다.

위의 두번째 <새벽> 작품, 한지 꼴라주의 거칠은 마띠에르가 참 인상적이었다. 색감 또한 새벽안개속에 빛이 번져 올라오는 듯한, 알싸한 느낌을 기가막히게 잘 표현한 작품이었다. 첫번째 작품 <우주의 춤>은 멀리서 볼때 같은 패턴이 반복되는 단조로운 느낌같지만, 바로 앞에서 작품을 마주하여 감상할때는 전혀 다른 각각의 빛들이 아름다운 몸짓으로 발레를 추듯 벅찬 감동을 주었다. 위 사진은 실제 작품의 백분의 1도 표현을 못해준다.

이건희컬렉션 한국 근현대미술특별전 <사계> ② 자연으로부터 Seasons Lee Kun-hee Collections Modern and Contemporary Korean Art

끌랭의블루 — Sat, 24 Jun 2023 10:57:46 +0900

자연으로부터

유영국 Yoo Youngkuk <산> 1961, 캔버스에 유채, 136.5x194.5㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

유영국 Yoo Youngkuk <작품> 1974, 캔버스에 유채, 134.5x161.7㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션, ©유영국미술문화재단

유영국 Yoo Youngkuk <산> 1997, 캔버스에 유채, 132x132㎝, 경미도미술관소장

'자연으로부터' 섹션에서는 자연 모티브를 통해 한국 근현대미술에서 작가들이 어떤 표현과 시도들을 했었는지 전반적으로 볼 수 있었다.

유영국 작가 1916-2002, 울진군 태생이다. 깊은 산과 푸른 동해바다가 보이는 고향 울진에서 자라면서 산이라는 거대한 오브제는 자연스럽게 예술적영감을 주는 가장 크고 좋은 소재였을거 같다. 이번 전시에는 3작품이 걸렸다.
유영국 작가의 작품세계는 산, 바다, 노을 등의 일상 속의 자연형태를 선, 면 등으로 단순화시켜 강렬한 색채로 표현한 추상화 작업을 특징으로 한다. 형태는 비정형에서 점차적으로 엄격한 구성의 기하학조형을 사용하는 흐름을 보였으며, 컬러는 빨강, 노랑, 파랑의 삼원색을 기본으로 초록, 보라 등을 통해 변화를 시도, 동일 계열 컬러라도 다양한 명도와 채도를 절묘하게 사용함으로써 단조로움에서 벗어난 색채의 조화를 이루었다. 전반적으로 표면 마띠에르는 살렸으며, 이런 추상화들은 자연의 정수에 가까워지는 것으로 자연스럽게 해석된다.

유영국 작가는 한국 추상미술의 선구자다. 기본적 조형요소, 색채를 강렬하고 절묘하게 사용해 자연추상을 형상화한 자신만의 독자적 화풍을 구축, 60세까지 다양한 조형실험을 했고, 급격히 변화하는 한국미술계 시류에 흔들리지 않고 선, 면, 색을 중심으로 자연이라는 대상을 환원시키려는 작품세계를 고수한 외곬수적인 면모로서도 긍정적평가를 받는다.

이종상 Lee Jongsang <조국, 원형상91-65> 1991, 동유화, 142.8x190㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

작품앞에 서자마자 마름모 검은 동판에 "빨파" 컬러가 애국애국! 한국한국! 느낌이 뿜어져 나왔다. 가벼움과 웃음끼 뺀 묵직한! 진지한! 국뽕한사발 드링킹한 기분이다.

일랑 이종상작가님은 '독도의 기', '독도 일출' 이라는 걸출한 먹의 힘과 민족혼이 느껴지는 수묵화작품이 먼저 떠오른다. "동판위에 거친투명선,면이 텍스처로 고지도 맵처럼 올려져 굳은 액체는 무엇일까?"로 같이 관람한 작가님과 한참 이야기를 나눴다. 난 수지액이라고 우겼다. ㅎㅎㅎ 수지액은 내 업계에서는 일반적으로 표지디자인의 고급스러움을 표현하기 위해 후가공 형태로 엠보싱해 덧입히기도 하고, 각종 기념품이나 뱃지에도 디자인에 덮어 구워내어 제품을 완성하는데 많이 사용하는 후가공 재료다.

동판에 저렇게 굳은거라면 묽은 아교일까 싶기도 하고... 칠보는 아닐까 싶었는데 역시 칠보였다. 궁금해서 다녀온 후 사진정리하면서 찾아봤더니 칠보매재에 의한 벽화방식의 원형상시리즈중 한 작품이었다. 우리전통과 민족정신에 깊이 뿌리박고 터부없이 넘나드는 질료와 소재, 기법에서는 무한한 창의력과 다양성을 시도하며, 끊임없이 살아 꿈틀거리는 한국인의 시대정신이 가미된 새한국화의 선구자셨다.

원형상시리즈는 우리나라 고지도 등에서나 볼 수 있는 산세와 물줄기 상형이 어우러져 도형적산수화라고 볼 수 있는데 실험기간이 벌써 십년은 넘었다고 한다. 4·19혁명 등 민주화 혼란기를 거쳐 민중삶을 그린 인물화를 실험했고, 70년대에는 진경산수, 민족의식과 역사의식 속에 독도는 물론 고구려 고분벽화→고려불화→조선조 영정·궁중화로 이어진 벽화운동 등. 이 화백의 실험정신은 아직도 끝나지 않고 계속되고 있었다.

류경채 Ryu Kyungchai <축전 88-5, 88-6> 1988, 캔버스에 유채, 128.5x96.0㎝, 경기도미술관 소장

류경채 Ryu Kyungchai <계절> 1965, 캔버스에 유채, 250x106㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

류경채 작가 1920~1995, <계절> 이번 이건희컬렉션에서 그림금사빠인 나의 마음에 쏘옥 들어 와버린 잊혀진 거장! 서정주의 추상화가! 류경채 화백의 작품이다. 류경채 작가의 색감은 정말 볼수록 현대적이고, 지금 활동하는 유명작가라고 해도 믿을만큼 세련되고 트랜드터진 독보적 색감이었다. 세로로 긴 캔버스에 아래

황해도 해주태생, 일본유학, 사범학교 교편, 1949년 해방, 30세즈음 처음열린 대한민국미술전람회(국전) '폐림지 근방' 대통령상. 1950~60년대 사슴, 비둘기, 해바라기를 그린 구상 작품은 세련된 색채와 표현주의 작품으로 지금도 걸작으로 평가 받는다. 이화여대, 서울대 교편, 미술교과서 저술 참여, 평생 유화만 200여점을 남겼고, 최소 50호이상 대작들이라고 한다. 드로잉작품도 거의없고, 과슈나 수채화작품도 거의 없다고 한다. 밀도와 완성도를 중시하느라 적게 그리는 과작작가를 자처했다고 한다. 말년엔 엄격한 기하학적 추상작품에 몰두했고, 역시 따뜻한 '서정성'이 자리잡고 있다고 평가받는다.

생전 두 차례 개인전밖에 열지 않으셨다니... 파볼수록 놀라운 작가였다. 63세때 1983년 춘추화랑에서 첫 개인전을 열었고, 1990년 현대화랑이 2번째이자 마지막 개인전이었다고 한다. 구애화랑이 없어서도 아니고 극도의 결벽주의와 완벽주의 성격때문이라고 추측한다는데 진정성있는 작가의 생전 말씀을 읽어보면 이해가 천번만번 가고도 남음이다.

"내 그림은 살 사람도 없지만, 팔 생각은 더더구나 없다. 그림일로 안색을 바꾸는 일도 싫고, 돈 받으려고 머리를 조아리는 일은 죽기보다 더 싫다. 차라리 한 끼를 굶는 것이 뱃속이 편하다"

"서울풍경을 그리면서 그림이 잘되지 않아 화폭을 지워보니 오히려 원하는 그림이 됐다"

"추상은 마음에 비치는 심상의 에센스를 표현하는 것"

"예술가라는 것은 순교자와 수도승과 같은 존재입니다. 남몰래 노력하고 남몰래 심혈을 바쳐 자신을 깨닫는 것이 예술입니다. 어느 틀에 맞춰서, 어느 유행을 좆아서, 어느 경향을 재빨리 수입하는 이런 것들이 아니에요"

남겨진 작가의 말한마디 한마디, 예술가의 수도적 고된 삶과 철학스민 명언투성이다. 일본유학 경력이 무색하게 오히려 더 한국적이고 토속적인 작가에 가깝다는 평가를 받는다. 하지, 중복, 초파일, 단오등 작품 제목에 우리나라 절기가 많이 등장하는 것도 친근감과 존경심이 든다. 아직까지도 본격적인 재조명은 이루어지고 있지 않다니... 내가라도 부지런히 널리 알리고 홍보하고 싶다.

국전 1회 대통령상 - 폐림지 근방, 94×129㎝, 국립현대미술관 소장 (이번 전시에는 없는 작품이예요~)

국전1회 대통령상 수상작 ‘폐림지 근방’ 작품은 당시에 매일 출퇴근하던 사범학교(현 한양대) 인근의 벌목으로 황폐해진 야산을 그린 것. 당시 유행한 인상주의, 아카데미즘적인 사실주의화풍으로 그린 작품이 아니라는 이유로 모심사위원은 “위험한 작품”이라며 반대를 했다고 한다. 그러나 오히려 “구체적인 자연이미지에서 출발해 비구상에 도달한 작품”이라는 평가를 받는다. 그리하여 결국 이 작품은 국전에서 구상을 넘어, 비구상과 추상을 수용하고 넘어가는 가교가 되었다.

오지호 Oh Jiho＜여수항 풍경> 1978, 캔버스에 유채, 90.0x64.7㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

오지호 작가 1905-1982, 전남 화순태생, 한국근현대 화단에서 인상주의 화풍 대표작가. 구한말 보성군수를 지낸 나라 잃은 통한에 자결한 아버지 오재영의 영향으로 오지호는 강직한 성품과 남다른 민족의식을 지니게 되었다 한다.1922년 조선미술전람회 나혜석 '농가'를 본 뒤 평생 화가로 살겠다 결심했다고 알려진다.

1926년 도쿄미술학교 서양화과에 들어가 당시 일본화단 주류였던 후기인상주의에 깊은 영향을 받았지만 단순한 수용에 그치지 않고 더 나아가 한국적 풍토에 맞는 인상주의 미학을 수립, 독자적 작품세계를 구축하였다. 1931년 서울로 돌아와 사실적 자연주의 기법의 유화를 발표, 1935년 무렵부터는 향토주의 화풍에서 벗어나 우리나라의 자연을 단순화한 형태와 밝고 명랑한 색채로 담아냈다. 1935년부터 개성 송도고보의 미술교사로 재직했고, 송악산밑 초가에서 살았는데 대표작 '남향집' 모델이 바로 그 집이라고 한다.

오지호는 인상주의 화풍을 적극 수용하고, 우리의 자연을 화폭에 담아서 토착화시킨 '빛을 그린 화가'로 불린다. 무등산 산신령이라 불릴 정도로 무등산을 사랑하고 무등산을 즐겨 그렸다. 오지호 화백은 1982년 크리스마스에 교통사고 후유증으로 생을 마감, 크리스마스 이브에 태어나 크리스마스에 사망했다고 한다. 1985년 오지호 화백 미망인 지량진여사는 남편 작품 34점을 국립현대미술관에 기증. 전남 화순군 동복면 독상리에 오지호기념관이 있다.

한국의 인상주의, 한국의 빛을 그린 화가, 서양의 인상주의보다 색감과 붓터치를 거칠게 더 파격적으로, 더 쎄게 쓴 느낌이랄까... 그래서 더욱 감상하는 맛이 있다. 실제 작품으로 보면 여수 바다의 깊고 푸르른 빛이 그대로 보이는 듯하다.
빛과 어울린 강렬한 그런 바다색이기도 하고 정박중인 선박의 네모네모한 표현과 빛 대비가 강렬하게 남는 작품이다.

박고석 Park Kosuk, <홍도풍경> 1979, 캔버스에 유채, 45.5x53.5㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

박고석 Park Kosuk,＜외설악> 1980, 캔버스에 유채, 60.5x73.0㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

박고석 작가 1917~2002, 작은 호수의 그림이지만 강렬한 느낌을 준다. 굵은 테두리선율을 감상하자니 조르주 루오의 그림이 생각나기도 하고, 야수파적인 그림 속성이 옅보인다. 산의 화가로도 잘 알려져 있다, 한국에 있는 산과 들을 모티브로 설악, 도봉산, 북한산등 산의 정기를 단번에 물아일체식으로 화면안에 담아내는 것으로 유명한 화가이다. 우리나라는 유달리 고만고만 정겹고 잘생긴 산들이 많아서 그런지... 산을 정말 한국적 모티브로 잘 살려 그려내는 화가들이 참 많은거 같다.

속도감이 읽혀지는 대담한 붓터치와 선명하고 굵은 테두리선, 한국조각보를 기워 붙이듯 산, 나무, 구름, 돌들이 이어진 기하학적 추상느낌이 시각적으로도 화려함과 즐거움을 듬뿍 선사해준다.

미술은 자연속의 우리 삶을 기록하고, 우리는 미술에 담긴 심층적 철학적 삶의 흔적을 찾아간다. 21세기 인간 부재, 자연부재 시대에 인간과 자연의 고귀함을 지키고, 삶 본질에 대해 일깨워주는 박고석 작가의 작품을 통해 따듯한 위로와 함께 감상하는 삶에 대해 고마움을 새삼 느낀다.

강요배 Kang Yobae＜황파 1> 2002, 캔버스에 아크릴 채색, 161x259㎝, 경미도미술관 소장

강요배 Kang Yobae <나무빛> 2005, 캔버스에 아크릴릭, 112.1x162.1㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

강요배 작가 1952~, 제주도 태생, 1979 서울대학교 미술대 회화과 졸업, 1981 동대학원 서양화전공, 회화학석사 취득했다. 80년대 후반부터는 제주도 역사를 다룬 작품들을 많이 그렸고, 제주4.3에 대한 연작을 제작하여 1992년 '제주민중항쟁사'라는 이름으로 개인전을 열었고, 1998년에는 화집 '동백꽃 지다'를 출간했다.
본인이름도 제주 4.3 항쟁과 연관이 있다 한다. 4.3 항쟁 당시 동명이인인데도 구분않고 모두 학살해버리는 일이 비일비재했다. 이를 목격한 강요배 작가의 부모는 이름을 특이하게 지으면 피할 수 있다고 생각해 '요배'라는 독특한 이름을 붙였다고 한다. 1998년에 한국민족예술인총연합회에서 민족예술상을 수상, 2007년부터는 민족미술인협회 회장으로 활동하고 있다. 지금은 제주도에서 창작활동에 매진하며 전시회도 열고 있다.

이번 경기도미술관도 화랑유원지이고, 세월호당시 추모공간이 있던 곳이라 어떤 힘 에너지, 혹은 민중적 아픔이 내재된 연관성을 찾을 수도 있고, 파도치는 제주바다를 표현한 거친 붓터치와 함께 공감을 느끼면서 감상하면 좋겠다는 생각이다. 구상인듯, 추상인듯, 파도이기도 하고. 아픔이기도 하고....

자연을 소재로서 다루는 부분에 있어서 굉장히 독특한 지점에 위치하고 있는 강요배 작가는 거의 대부분의 모티브가 제주도이고, 위의 '황파1'은 경기도미술관 소장이고, 아래 '나무빛' 작품은 이건희컬렉션 작품이다. 나란히 걸린 두 작품의 에너지를 느끼며 자연으로부터의 섹션을 감상하는 동선에는 경기도미술관 통창으로 바람부는 나무, 자연풍경이 보이고 자연빛이 스며들어 경기도미술관만의 고유한 자연풍경이 어우러져 좋은 감상포인트이다.

작품이 가진 에너지는 실제로 원화를 봐야 생동감있는 분위기를 느낄 수 있다. 그만큼 우리 민생사도 오래된 역사도, 현재도 앞을 내다볼 수 없는 거친 풍랑과 풍파가 있었던 사실을 새삼 공감하면서 보게 되었다.

"첫 번째로 오는 큰 느낌. 이게 상당히 소중한 것 아닌가…"

"제주도는 날씨 바람이 많이 불기 때문에 변화가 많고, 구름의 변화도 많다. 날씨가 그때그때 다르듯이 제 기분도 달라진다"

강요배 작가의 그림은 형태가 뚜렷한 구상화는 아니다. 오히려 추상화에 가까운 작품들도 적지 않다. 사진을 바탕으로 풍경을 재현하지 않는다고 한다. 자연 첫인상을 첫마음에 담아 큰 캔버스에 장엄하게 펼쳐내고 정서를 환기해 뿜어내 에너지를 표현하고 그리는 작가의 내면세계 또한 정말 존경스럽지 아니한가!

도상봉 Do Sangbong <라일락> 1959, 캔버스에 유채, 50.3x60.8㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

도상봉 Do Sangbong <개나리 > 1974, 캔버스에 유채, 53.4x45.5㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

<작품 액자유리에 맞은편 작품 비춤 주의>

도천 도상봉 작가 1902-1977, 함경도 홍원출생, 일본 도쿄미술학교에서 서구 아카데미즘에 영향을 받았다. 귀국후 경신고보, 보성고보, 배화여고, 경기여고, 숙명여대 등에서 교편을 잡고, 광복이후 대한미술협회 창립멤버로 참여, 대한미술협회위원장으로 미술행정가의 길을 걸었다. 꽃 그림으로 잘 알려져 있는 작가이지만 워낙 조선백자, 달항아리 같은 도자기를 많이 사랑해 ‘도자의 샘’이라는 뜻의 '도천'으로 호를 삼을 만큼 도자기에 남다른 애정을 가지고 있었다 한다.

백자에 담긴 화사한 꽃을 많이 그렸다. 라일락, 개나리, 코스모스, 안개꽃 등이 부드러운 선과 은은한 색조, 견고한 조형미를 갖춘 백자와 어우러진 풍경은 격조 있는 아름다움을 전해준다. 도상봉은 일생에 초지일관 아카데믹한 자연주의의 시각을 견지한 대표적인 화가. 자신과 그림에 대해 매우 철저한 사람이었으며, 확고한 고전주의적인 태도를 유지하면서 자연을 관찰하고 이를 분석하여 철저하게 대상을 과학적으로 이해하고자 했다. 탄탄한 데생실력과 엄격한 구도를 기반으로 작품에 빈틈을 허용하지 않고 원칙에 충실했다. 대상에 대한 명확한 이해와 깊이 있고 무게감 있는 색조, 그리고 구도의 안정감은 정지된 사물의 한순간을 포착해 보는 이로 하여금 고요와 관조의 시간을 갖게 해준다.

나라 잃은 슬픈 조선의 배경에서조차 금수저미술가의 아카데미적, 고전적 코스를 거친 작가작품을 보면서 갑자기, 하필 이 시점에 현실과 시대정신을 민감하게 생각한 월북화가 이쾌대 화백의 비판적 평가가 생각나서 살짝 웃음이 나왔다 ㅎㅎㅎ

“그림은 참 잘 그렸지만, 이런 시절에 어떻게 도자기만 저렇게 그릴 수 있는지 이해가 가질 않는다”

노수현 Noh Suhyun < 망금강산도 > 1940, 종이에 수묵채색, 34.5x139㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

변관식 Byeon Gwansik <강촌추색> 1960, 종이에 수묵채색, 38.0x115.8㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

이상범 Byeon Gwansik <강촌추색> 1960, 종이에 수묵채색, 38.0x115.8㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

심산 노수현 1899-1978, 황해도 곡산태생, 우리나라 전통 산수화를 대표하는 작가이다. 청전 이상범 1897-1972, 소정 변관식 1899-1976, 한국화의 현대화와 개성화에 집중한 데 반하여 노수현 작가는 전통의 맥을 계승하면서 새로운 경지를 개척한 작가로 평가된다. 특히 '바위산'을 즐겨 그린 화가로 유명한데, 작업 초기에는 전통적인 관념 산수화에 집중하면서도 전통을 답습하는 데 그치지 않고 작품에 사생적 요소를 부분적으로 도입하였다. 전국 명승지와 금강산을 유람하던 1940년대부터는 그의 작품에 새로운 변화가 감지된다. 암산의 형태 묘사가 중시되고 먹의 표현이 두드러지는데, 이는 1950년대에 이르러 본인의 전형적 산수화 양식으로 완성된다.

"젊었을때, 나는 전국의 명산을 다 돌아보았는데, 역시 산은 금강산이야. 그보다 더 좋은 산은 없더군"

망금강산도 1940, 심산이 1940년대에 많이 그린 금강산을 주제로 한 작품 중 하나다. 이 작품에는 그의 금강산에 대한 애착과 그리움이 어김없이 나타난다. 수려하게 표현한 산세 사이로 자욱한 운무가 자아내는 고취는 심산의 농익은 화력을 유감없이 보여준다.

이건희컬렉션 한국 근현대미술특별전 <사계> ① 인트로, 새로운 계절 Seasons Lee Kun-hee Collections Modern and Contemporary Korean Art

끌랭의블루 — Thu, 22 Jun 2023 01:34:55 +0900

경기도미술관에서 하는 "이건희컬렉션 한국 근현대미술특별전 《사계》" 전시에 지난 토요일에 다녀왔다.

국립현대미술관에 기증된 이건희컬렉션 46점과 경기도미술관, 공사립미술기관 11곳 소장품까지 더해서 한국근현대미술의 주요작가 41명 작품, 전체 90점이 전시되었다고 한다. 1927년부터 2010년에 이르기까지 일제강점기, 전쟁과 분단, 민주화운동 등 격동의 현대사를 살아낸 예술가들이 시대와 교감하며 남긴 작품들을 통해 한국근현대사속에서 미술이 어떻게 추동되어왔는지 그 과정을 살펴볼 수 있다.

전시명은 클래식음악 비발디의 「사계」를 연상시키듯, 동시대미술의 자양분이 된 작가들의 수작들을 다채로운 화음처럼 살펴볼 수 있어서 기획했다고 하네요. 자연, 계절감, 시간성 등 ‘사계’와 관련하여 볼 수 있는 요소들이 있고, ‘조화’, ‘자연’, ‘향수’, ‘순환’ 등 추상적인 개념으로 확장, 분류하여 전시구성하였고, 여성작가들의 작품을 ‘또 하나의 계절’로 구성하여, 한국근현대미술사에서 자기만의 예술세계를 이룩해 낸 작가들의 작품을 집중조명하였다고 합니다.

이건희컬렉션 한국 근현대미술 특별전 <사계>

Seasons Lee Kun-hee Collections Modern and Contemporary Korean Art

전시 관람 안내

2023. 6. 8 ~ 8. 20

경기도미술관 Gyeonggi Museum of Modern Art (전시실 1 ~ 4)

관람시간 : 오전 10시 ~ 오후 6시, 관람료 : 무료

관람동선을 미리 알고 가는 것도 좋아요!

화창한 주말, 토요일임에도 사람들이 많지 않았다. 오히려 관람에 집중하기엔 좋았지만! 아마도 경기도미술관이 위치한 안산 화랑유원지, 외진 접근성도 한 몫하는 듯하다. 전망도 좋고, 시설도 좋은 미술관인데 전시실 전관을 사용한게 십여년만이라니 많이 아깝기도 하고, 경기도와 운영하는 주관부서의 나이브한 의식이 많이 아쉬운 부분이다.

레터링은 자연의 순환이나 계절의 순환처럼 디자인하였다고 합니다. 다른 글자는 1세대 한글폰트 디자이너 최정호 선생님이 고안하고 직지소프트에서 발전시킨 '견출명조' 체로 지금 시대 디자이너와 참여작가들과 동시대를 살았던 디자이너의 그 자체를 병치시켰다고 하네요.

새로운 계절

김종태, <사내아이> 1929 캔버스에 유채, 43.7x36cm, 국립현대미술관 이건희컬렉션

인트로작품 1

우리가 미처 알지 못한 우수한 작가들 작품들이 많다는 것과 낮잠자는 사내아이의 꿈결속에 같이 들어가서 근대기, 지난 역사속작품들을 다시 되돌아보자, 여행해보자는 의미로 선정했다고 한다. 김종태 작가는 29세에 장티푸스로 요절을 해서 작품이 4점밖에 안 남아 있는데 그중 한 점. 유화를 독학해서 굉장히 독특한 본인만의 양식을 보여준다. 유화를 수채화처럼 시원한 몇 번만의 터치로 특징을 잡아내고, 색감도 굉장히 옅은 수채화처럼 사용했다. 색감조화, 인물 캐릭 잡아낸 실력을 보면 굉장히 천재적인 작가님이시다.

김종영 kim chongyung <작품79-8> 1979, 나무, 65×34×30㎝

인트로작품 2

서예를 수행적으로 연마를 한 김종영 작가의 서양조각 작품. 서양 조각의 미학과 서예정신이 결합된 작품이라 인트로에 배치했다고 한다.

이종우 Lee Jongwoo, <모(某)부인상> 1927, 캔버스에 유채

최초의 프랑스 그림 유학생이자 파리지앵을 체험한 작가. 파리화가 '게랑미술연구소'와 러시아화가 '슈하이에프연구소'에서 3년간 고전주의기법을 익혔다. `모부인상`은 슈하이에프연구소에서 만난 러시아 친구부인을 모델로 그린 그림. 이 작품은 '인형이 있는 정물'과 함께 파리공모전 '살롱도톤느'에서 한국인 최초 입선, 탄탄한 묘사력이 돋보이는 고전풍의 사실주의 작품. 안정감 있는 자세, 치밀한 묘사력은 해부학을 바탕으로 인체 데생을 연마한 결과라고 한다.

구본웅, ＜여인좌상> 1940년대 목판에 유채, 23x15cm 가나문화재단소장

동양적인 요소가 더 많이 보이는 작품. 이상의 친구라서 친구 초상을 그린 걸로 잘 알려져 있지만 불교 도상도 많이 그렸다. 목판에 유채를 음각해서 쌓아올린건데 옅은 수묵처럼 올라가서 선적인 요소나 터치된 면이 굉장히 한국적이고 동양적 요소가 서양기법과 융합되어 독특한 화풍을 보인다.

백남준 Paik Nam June, <TV 부처> 1974(2002)*, 석불좌상, CRT TV모니터, 폐쇄회로 카메라, 가변크기, 백남준아트센터소장 * (2002) : <TV부처>는 1974년 처음 제작되었고, 이 백남준아트센터 소장품은 2002년 다시 제작되었다.

불상 찍는 게 모니터 화면에 실시간 라이브로 나온다. 불상에 가려져서 내 얼굴을 보려면 안나온다. ㅎㅎㅎ 나르시스트들아 사람들이 너 하나도 신경안써! 정신차려! 뭐 이런 메세지일까요? 요즘 현대인의 SNS 자기자랑 과대노출 관종 심리를 마치 꿰뚫어 본 듯한 백남준 미디어아트 작품이었다.

이인성 Lee Insung <복숭아 나무> 1935, 종이에 수채, 30.5×53.0㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

세기의 천재 화가로 알려진 이인성 화가. 뛰어난 묘사력으로 조선의 하늘색, 토양색 등 자연의 컬러들을 잘 표현하였다. "자라서 이인성 화가처럼 될래요~" 사람들이 이런 이야기들을 평상시 할 정도로 이인성 작가 활동시기엔 김환기 작가보다 인기 지분이 훨씬 더 컸다고 한다. 복숭아 나무라는 작은 그림이지만 빛 표현이라든지 섬세한 묘사력, 내추럴한 색감 표현이 너무나도 한국적이고 소탈하게 소박하게 사랑스럽다.

이인성 Lee Insung <남자누드> 1930년대, 나무에 유채, 25.5×20.5㎝, 대구미술관 이건희컬렉션

이인성 Lee Insung, <여인의 초상> 1940년대 초반, 패널에 유채, 27.0×22.3㎝, 국립현대미술관 소장
<여인초상> 1940년대, 캔버스에 유채, 26.0×21.0㎝, 대구미술관 이건희컬렉션

생각하는 사람 로댕풍의 누드화에, 한복입은 여성을 백그라운드에 아련히~ 배치하고 이마를 움켜쥔채 골치아파하는 천재 작가의 또 다른 인간으로서의 라이프, 자화상 면모를 이 시대에 감상해본다.여담으로는 이인성 작가가 세 번째 부인하고 살 때, 첫 번째 부인 사이에 낳은 딸과의 불화로 인해 고뇌하는 자신의 모습을 그린거라고 추정된다고 한다. 이인성 화가의 자화상, 내면 표출일 수 있다라는 추정이 있다. 위의 두 작품은 첫 번째 부인 김옥순 여사를 굉장히 사랑했고, 그분이 굉장히 부유한 신여성이었는데 일본에서 만나 결혼을 했다가 일찍 사별하게 되었고, 그리워하면서 그린 것으로 추정된단다.

이인성 Lee Insung, <주전자가 있는 정물> 1930년대, 패널에 유채, 36.5×45.0㎝, 국립현대미술관 소장

이인성 Lee Insung, <석고상이 있는 풍경> 1934, 종이에 수채, 55.2x74.6cm, 대구미술관 이건희컬렉션

화풍이나 터치감을 보자면 인상주의 영향을 많이 받은거 같다. 서양미술, 즉 세잔 정물화, 마티스 정물화까지 후기인상주의 영향들이 군데군데 공존공생 하는 느낌이다. 노랑 평면적 배경, 백발머리 벗겨진 옥수수, 통마늘, 홍시감, 머루, 감자 등 더군다나 석고상과 같이 있는 정물화라니 ㅎㅎ 독특하고 신선한? 정물화는 사실 이 시대의 한국에서만 볼 수 있는 작품일 거 같다.

이쾌대 Lee Quede, <항구> 1960, 캔버스에 유채, 35.5×44.5㎝ 대구미술관 이건희컬렉션

이쾌대(李快大, 1913-1965)는 경상북도 칠곡태생으로 일제강점기 후반부터 해방과 전쟁으로 이어지는 1940년대 에 활동했던 화가로, 6.25전쟁기에 월북하여 잊혀졌으나 1988년 재월북예술가에 대한 해금조치로 군상I - 해방고지 1948, <군상 IV, 1948 추정 등과 같은 역사화풍의 인물화를 통해 유명세를 얻었다. 그의 두루마기 입은 자화상 1940년대 해방이 된 새로운 나라에서 자신의 역할을 고민하는 화가의 진지한 소명 의식이 잘 드러난 역작으로 평가받고 있다.
이쾌대는 1932년 조선미술전람회에 입선하며 미술계에 등장하였고, 이듬해 일본의 제국미술학교 서양화과에 입학하여 수학한 후 귀국해 1941년 '신미술가협회'를 결성하여 활동했다. 해방공간에서 그가 결성한 '조선미술동맹'은 이른바 중도파 미술계의 통합단체였으며, 이쾌대가 남관, 이인성 등과 함께 운영했던 성북회화연구소1947~1950에는 권진규, 김창렬, 전뢰진, 황종례 등의 미술가들이 거쳐가는 등 비록 짧은 시기임에도 그가 한국화단에 미친 영향은 결코 가볍지 않았다. 이쾌대는 탄탄한 데생 실력을 바탕으로 특히 인물화에 능했으며, 역사학자이자 화가, 정치인이었던 그의 형 이여성의 영향 아래 전통적 색채와 선묘를 연구하여 화가로서 한국적 리얼리즘을 구현하고자 했다. 이번 전시에 출품된 항구, 1960는 그가 월북한 이후에 제작한 작품이다.

화면에는 해가 뜨고 있는 항구에 이제 막 출항한 듯한 배가 세척 그려져 있다. 앞부분의 배는 이쾌대의 작품에 흔히 나타나는 고전주의적 화풍이 엿보이지만, 배의 일부와 빛이 투영된 물결의 표현 등에서는 인상주의적 요소가 느껴진다. 1960년대 북한 미술계는 모더니즘의 방향을 두고 치열한 논쟁이 벌어지던 시기로, 이로 인해 그의 형인 이여성이 정치적으로 숙청당한다. 이 논쟁이 시작되던 1960년이라는 제작 연도로 짐작해 볼 때, 이제 막 출함하는 배의 모습에서 긴장감과 진취적인 기상이 느껴지며, 곧 벌어질 치열한 논쟁의 시작을 암시하는 듯하다.

문학진 Moon Hakjin, <가을> 1966, 캔버스에 유채, 100×85㎝ 경기도미술관 소장

문학진 Moon Hakjin, <여류 음악가> 1969, 캔버스에 유채, 100×85㎝ 국립현대미술관 이건희컬렉션

1924년 대한민국 서울출생, 서울대학교 미술대학졸. 1953년부터 1955년까지 대한민국미술전람회 연이어 특선 수상, 1958년 제7회 대한민국미술전람회 '자전거에 부딪힌 운전수 1958' 문교부장관상 수상.

문학진 작가는 당시 화단에서 유행하던 자연 풍경보다는 인물과 정물 등을 주요 소재로 작업. 대상을 재해석하고 다시 구성하는 입체주의적 양식 시도하는 한편, 사실적 묘사가 강조되는 구상작품 및 기록화도 제작. 그의 작품 '여류 음악가'는 1969년에 제작되었으며, 이 작품은 의자에 앉아 첼로로 추정되는 현악기를 연주하는 음악가의 모습을 입체주의적으로 표현한 작품. 또한 경기도미술관 소장품인 '가을 1966'은 수확의 계절인 가을에 나무 등치에 앉아 쉬고 있는 인물들의 모습을 고즈넉한 풍취에 담고 있으며, 작가의 리드미컬한 운율이 느껴지는 작품.

문학진 작가의 다른 작품들도 너무나 좋아하는 나로선 이 원화보러 이건희컬렉션 간 셈이다. ㅎㅎㅎ 위의 '가을' 작품은 같은 1960년대인데도 사실적묘사이기는 하나 화면구성과 인물묘사는 서양미술 영향이 물씬 풍기는 마치 외국사람들이 한복입은 느낌같고, 마네의 풀밭위의 식사가 바로 생각나버리는 진정 한국식 가을 풍경 작품이다. 여류음악가 작품은 파격적인 부분적 마띠에르와 화면 구성은 피카소 영향을 많이 받은 것이 바로 보여버린다. 뭔가 새로운 흐름과 변화를 열심히 시도하는 열정넘치고 부지런한 천재 화가의 일상 과정에서 이런 다양하고도 실험적인 작품이 함께 공존하지 않았을까? 암튼 나의 최애작가중 한분이시다.

김흥수 Kim Heungsou, <포즈> 1970년대, 캔버스에 유채, 79.7×100㎝, 국립현대미술관 이건희컬렉션

김흥수 작가 1919-2014, 함경도 함흥출생, 구상과 비구상의 이질성을 하나의 화폭에 담아 완성시킨 “하모니즘 작가”로 널리 알려져 있다. 구상과 비구상으로 나누어진 미술계의 고정관념에서 벗어나 음과 양이 하나가 되듯 상반된 극을 접목시켰다. 동양사상의 모태가 되는 정신세계는 추상으로, 눈에 보이는 객관적인 모습은 구상으로 표현. 모자이크 기법에 착안하여 화면을 색과 면으로 분할해서 하나의 완전체가 되는 독특한 방식의 화법이 현대미술의 새로운 장을 여는 계기가 되었다.

우연한 추상적 요소와 사실적 표현의 구체적 요소가 작품 속에 조화를 적당히 이룰 때 작품에 대한 설득도 되고 공감은 더욱 깊어진다. 화려하고 장식적인 레드핑크 색채와 질감으로 인해 여성누드와 서양 감각의 분위기를 기하학적인 문양과 함께 승화시키는 그림이었다.

1944 일본 도쿄미술학교 졸업, 해방 뒤 서울예술고등학교 미술과장과 서울대학교 미술대학 강사, 1955 프랑스 파리유학. 유학 뒤 당대 서구미술의 영향을 받으며 많은 변화를 일으켰다. 파리 그랑드 쇼미에르 미술연구소와 미술아카데미 등에서 수학한 7년 남짓 동안 야수파, 입체파 등의 서구 근대사조와 클림트, 모딜리아니의 작품 등에 심취. 김화백은 색채의 현란한 감각과 본능적 터치를 발산하는 반추상 누드화의 세계로 진입하게 된다. 1961년 귀국 당시 그의 도발적 화풍은 평단에서 이단아로 취급받기도 했지만, 동료와 후배 작가들에게 상당한 영감과 영향을 미친 것으로 알려진다.

1977년에는 추상과 구상의 조화를 타협하는 조형주의 미술 선언을 발표하기도 했다. 성신여대 교수와 미국 펜실베이니아대학교 초빙교수를 지낸 김흥수 화백은 1990년대 이후 작업에 전념했다. 2000년대 초 세 차례 수술을 견뎌내며 구순을 넘어서도 열정적으로 작업과 전시를 꾸준히 계속해왔다고 알려진다. 삶 그 자체도럼 감미로운 하모니처럼 예술로 살다가신 작가셨다.

이응노 Lee Ungno <군상>, 1985, 종이에 수묵, 167x68cm, 국립현대미술관 이건희컬렉션

이응노 Lee Ungno <구성>, 1976, 종이에 채색, 188.5x115.5cm, 국립현대미술관 이건희컬렉션

고암 이응노 1904 - 1989, 충남 홍성출생. 이응노 화백은 동아시아의 서화전통을 활용해 현대적 추상화를 창작한 한국현대미술사의 거장이다. 전통 사군자 작가로 미술에 입문, 1930년대 후반과 1940년대 전반에는 일본에 유학하여 새로운 산수화풍을 습득하였다. 1958년 프랑스로 유학, 동서양 예술을 넘나들며 ‘문자추상’, ‘군상’시리즈 등 독창적 화풍을 선보이며 유럽 화단의 주목을 받았고 독일, 영국, 이탈리아, 덴마크, 벨기에, 미국 등지에서 수많은 전시회를 열었다. 1964년에는 파리에 위치한 세르누시 미술관 내에 ‘파리동양미술학교’를 설립해 프랑스인들에게 서예와 동양화를 가르치며 동양문화 전파에 힘쓴 교육자이기도 했다.

이응노작가의 작품에서 인간의 형상은 항상 중심이다. 1960년대 추상화속에서 발견되는 자연 속 인간, 인간 형태를 문자처럼 변형하여 70년대의 문자추상시리즈 속에서 인간의 모습은 붓놀림과 서체와 융합되어 독특한 패턴으로 변화해 갔다.

1980년을 기점으로 1989년 작고하기까지 제작된 ‘군상’ 연작은 작가의 인생관과 예술관이 집약적으로 담겨져 있는 이응노 예술의 절정이라고 할 수 있다. 1989년 1월 이응노 작가는 서울 호암갤러리에서 열리는 회고전을 앞두고 심장마비로 별세했다. 그의 유해는 파리의 ‘페르 라 세즈’ 시립묘지에 안장되었다. 이후 파리, 뉴욕, 서울, 도쿄, 오사카 등지의 갤러리에서 추모전이 열렸다.

이응노의 작품은 현재 뉴욕현대미술관(MOMA), 파리 퐁피두센터, 국립장식미술관 및 스위스, 덴마크, 이탈리아, 영국, 대만, 일본 등 전 세계 각국에 소장되어 있다.

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고영훈 Ko Younghoon, <지성인>, 1992, 종이에 천, 아크릴릭, 119.5x172.5cm, 국립현대미술관 이건희컬렉션

고영훈 작가 1952~ 제주태생, 홍익대학교와 동대학원 서양화과 졸업. 1974년 제2회 《앙테팡당》전을 통해 극사실적 경향의 돌 작품을 소개하기 시작했고, 제6회 인토트리엔날레와 제42회 베니스비엔날레에 출품하면서 이 경향의 대표적 작가로 부상했다. 1985~1993년에 서울 두손갤러리와 파리 알랭브롱델갤러리에서 열린 개인전을 통해 작품을 소개했고, 1990년대 후반 이후부터 가나화랑의 전속이 되었다. 1987년 대한민국미술기자상을, 1991년에는 토탈미술대상을 수상했다. 바젤아트페어, 시카고아트페어 등과 크리스티, 소더비 등의 미술시장을 통해 국제적 위상을 견지하고 있다.

1980년 '스톤 북' 시리즈로 신문, 잡지, 책표면에 돌을 올려 놓음으로서 서술적구조를 취한다. 고영훈 작가는 공간과 시간에 대한 지대한 관심으로 당시 작업동기를 아래와 같이 설명했다.

"나는 내 앞에 놓여진 돌과 내 손가락 사이의 싸늘한 공간을 느끼며, 허공을 가르며 날아가는 돌멩이에서 시간을 느낀다”

돌과 책 사이의 관계를 역전시키고, 혼돈시키는 방향으로 실험작품을 하였다. 허상과 실재 사이의 관계성에 대한 관심은 실물 오브제로서 책장을 캔버스에 콜라주하고, 위에 돌멩이를 일루전으로 등장시키는 기법으로 발전되었다. 정확히 말해서 대부분 돌멩이는 허상, 캔버스에 콜라주된 책장들은 실제이다. 오브제 의미와 형식은 일루전기법과 실제 사물의 관계를 역전시키거나 충돌시킴으로서 도출되는 효과에 있다. 고영훈 작가는 자신의 작업노트에서 다음과 말했다.

“양극의 대립에서 역설적으로 발생되는 긴장된 조화를 창출하고자 하는 것이다”

1989년 새깃털이 등장하면서 의미구조가 복합적 단위로 확대되었다. 책과 돌 그리고 깃털의 관계는 뒤이어 장갑, 작업복, 시계추, 타자기, 칼, 숟가락, 수통, 삽, 시계, 냄비, 깡통, 주전자 등의 오브제 이미지로 다변화되었다. 캔버스 구조도 반복과 대비 그리고 삽화, 집적, 그리고 서체를 도입해 오브제의 의미를 다양하게 변주시켰다. 오브제 하나하나가 마치 무대에 등장하는 주연, 조연배우들처럼 극적대립과 긴장을 통해 역설적이면서도 결국엔 작가가 연출, 의도한대로 조화로운 관계를 만들어 해피한 결말을 만들어준다는 재밌는 느낌이 들었다.

고영훈 작가의 미술을 서양미술사조와 연관지어 말하자면 초현실주의 화가 르네 마그리트의 '이것은 파이프가 아닙니다' 라는 작품이다. '이것은 돌입니다'라는 제목의 작품과 비교되기 때문이다. 마그리트가 파이프를 극사실적으로 그리고선 파이프임을 부정했을 때, 일루전일 뿐인 그림본질을 폭로하고, 더 나아가 회화본질에 대한 역사적 편견으로부터 해방을 시도한 것으로 평가받는다. 그런데 고영훈 작가의 경우엔 돌의 일루전을 시전하고는 돌임을 명명했다. 꽃의 이름을 불렀을 때 꽃은 비로소 하나의 의미가 되듯이 돌이라고 해줌으로서 비로소 작가에게 돌맹이란 존재의 의미로 다가올 수 있었다는 평가다. 결국 돌맹이의 실체는 허상이지만, 허상이미지는 명백히 실존하는 대상이된다고!. 르네 마그리트와는 다른 차원의 가치로 평가된다고 한다.

난 솔직히말하자면 하이퍼리얼리즘(극사실주의회화)은 극혐정도의 부정적인 시각을 가지고 있었었다. 그런데 우리나라 하이퍼리얼리즘의 선구자격인 고영훈 작가의 '지성인'이라는 그림을 이번에 알게되고, 작품의도가 궁금해 뒤져보고선 무조건 내 취향이 아니라고 터부할게 아니란 걸 느끼게 되었다. 정말 재밌는게 보통 머리나쁜 사람을 속된말로 돌대가리라고 하지 않나? ㅎㅎㅎ 그런 돌멩이와 문명을 상징하는 책장을 캔버스에 한장한장 꼴라주하고 대비시켜서 어떤게 진짜인지 분간이 안가는 하이퍼리얼리즘적으로 표현했다니? 가히 천재적인 발상이다. 바로 눈앞에서 봐도 돌멩이가 진짜인지, 책낱장 하나하나가 진짜인지 헷갈리게 만드는 작품이었다. 작품 액자도 어디서부터 진짜 액자인지도 헷갈리게 하는 ㅎㅎㅎ 내가 이 전시, 이 작품앞에 오브제로 일루전 되어 있는건 아닐까? 하는 재밌는 상상도 하면서 즐겁게 감상했다.

1990년대에 들어서면서 고영훈 작가의 그림 오브제는 오브제가 아닌 동시대 시공간을 넘나드는 의미의 아이콘이 되었다. 고영훈 작가의 극사실회화는 이렇듯 자신만의 고유한 언어구조를 확립하게 되었다. 고영훈 작가의 작품세계관은 관람객의 시각적 호기심, 다양한 해석의 가능성을 아낌없이 충족시켜 준다. 이러한 즐거움이 우리네 다양한 직업과 삶에 영향과 신선한 영감을 주니, 진짜와 가짜이미지는 이미 진짜돌멩이로서 그 값을 충분히 하고 있음을 의미하는 것이리라....

운보 김기창 작가 1913~2001, 청각장애를 딛고 산수, 인물, 화조, 추상등 한국화의 모든 영역에서 탁월한 작품을 남긴 한국화가이다. 1913년 서울 출생. 7세에 장티푸스의 고열 후유증으로 청신경을 상실했다 한다.

바보 산수로 유명하신 김기창 화백은 천진난만한 어린아이가 그린 것처럼 해학적인 형태와 멋스런 필치로도 유명한 작가다. 일제강점기부터 현대까지 활동한 한국화가. 일제강점기에 김은호 문하에서 수학한 후 조선미술전람회에서 연속 입상하며 작가로서의 입지를 굳힘. 1970~1980년대에는 산수화 전통 위에 현대적 감각을 더하여 ‘바보산수’와 ‘청록산수’ 연작으로 대표되는 독자적 예술세계를 완성. 한국의 전통 회화와 현대 미술을 연결하는 교두보 역할을 하였다는 평가를 받는다.

50~60년대에는 추상적 화면실험도 했고, 앵포르멜, 젝슨 폴록에 영향받은 것처럼 어떤 추상적인 실험들을 하는 과도기 과정을 보여준 작품. 한국을 대표하는 화가임에도 작가의 친일행적으로 인해 많이 아쉬운 부분이 있다.

또하나의 계절 섹션에는 아내 박래현 작가의 작품과 살짜쿵 비교해보면서 누가 누구에게 영향을 받은걸까 유추해봤다. 아무래도 내 생각엔 박래현 작가의 작품에 더 많은 박수와 엄지척을 ㅎㅎㅎ